lunes, abril 25

Vuelta a la vida real

1 comentario:
Se terminó el festival y como de costumbre nos quedamos afuera de los premios, siempre en otro lado. La española que ganó, El cielo gira, parece que estaba bárbara pero nos enteramos demasiado tarde. La de Acuña, Como un avión estrellado, ni se nos ocurrió entrar y la que entró se fue como vino, yo nadar solo no la vi y no estaba en mis planes verla, es más, diría que ni mamado entraba, pero mi amigo Cesar viene y me dice que le encantó; sí sigo así pierdo todos mis amigos. Al que vi fue al director ruso de four que se llevó un premio también. Lo vi a él, ya medio borroso, cerca de la una de la mañana. Después empezó la película y la ví también hasta que me dormí. Llegué hasta allí en busca de una buena historia que no abundan, ni fuera ni dentro del festival. Tres personajes en un bar, se cuentan cosas. La atmósfera es intensa e interesante. Película de locaciones inverosímiles. Después la chica de las tetas grandes camina hacia un funeral llena de viejas rusa que parecen sicilianas. La chica camina mucho, la atmósfera se hace onírica y yo me duermo. Me despierto porque las viejas parecen brujas y gritan y gritan, la chica camina y veo unos aviones. La vieja más bizarra de todas canta, yo despierto, el film termina. Si alguien la vio que cuente que pasó en el medio.
Mis últimas imágenes del festival fueran una mezcla de fluidos diversos en la cara de la protagonista de The Wayward Cloud, la última de Tsai Ming Liang, más sacado que nunca. Yo evitaría verla con mis padres o en una primera cita (a no ser tu estilo sea el de Taxi Driver). Si uno lee el catálogo pareciera que se trata de una simpática comedia de enredos. Si hay algo que no hacen los personajes de este director es enredarse entre ellos. En ¿Qué hora es allí? Tsai Ming Liang parecía haberse relajado un poco y aunque los protagonistas vagaban en dos continentes distintos hasta parecía una historia de amor. Aquí los antiguos personajes vuelven aunque cambiaron un poco. El romántico vendedor de relojes es ahora actor porno. ¿Se imaginan una secuela de tienes un email donde Tom Hanks se vuelve un junkie? Ta bueno. Ta sacado el chino che. El de Tsai Ming Liang era para mí un cine de goteras. En esta en cambio una sequía azota Taiwan y lo que gotea es semen. Ta sacado el chino.
Dj malhumor
No hay comentarios.:

Hacete el cuatro
una de la mañana, el director ruso Ilya Khrzhanovsky (el de negro) despierta a Malhumor que está filtrado, así sale la foto.

viernes, abril 22

Los chicos crecen: Géminis, de Albertina Carri, y Monobloc, de Luis Ortega

No hay comentarios.:
Con Géminis y Monobloc, en algún sentido, me pasó lo mismo que el día anterior con Como un avión estrellado: son obras más profesionales, mejor acabadas, incluso diría hasta más mainstream que sus antecesoras. Aunque hay que ver cada caso por separado. De lo de Ezequiel Acuña ya hablamos. Albertina Carri ya es toda una autoridad, literalmente (es jurado del festival!). Esta no es su segunda peli sino la tercera, y la primera lamentablemente no la vi, y la segunda me pareció maravillosa desde todo punto de vista. Pero era bien rara. Esta es, si se quiere, una peli mucho más "normal" (discúlpeseme por favor el adjetivo mierdoso), con una narración tradicional, de ficción. La trama está a la vista desde el principio, desde el título, desde el tagline, pero eso no le importa a nadie: no es una película de enigma, sino un drama familiar potentísimo, potenciado por actuaciones excelentes. Sí, los gemelos se acuestan juntitos, eso se sabe de entrada. Y así y todo nos la pasamos clavando las uñas en la butaca. La atmósfera que se construye está más cerca de La ciénaga que de Los rubios. Auguramos un gran futuro para esta peli, con papeles consagratorios para Cristina Banegas y Daniel Fanego, de revelación para la chica protagonista y de confirmación de excelente carrera para Julieta Zylberberg (La niña santa). Ah, pregunta, ¿por qué se gastan en hacer que la pobre Julieta haga de española? Esa una excelente actriz y lo hace muy bien, pero no entiendo por qué ponerla en ese brete. ¿No era más fácil contratar una española, o cambiar el guión? Lo mismo nos preguntamos con Hermanas, donde Ingrid Rubio hacía de argentina.
Y Monobloc también me gustó mucho más que Caja negra. Por supuesto Monobloc no es mainstream, pero es mucho más visible, hay más laburo de guión, hay más laburo. Toda la estetización funciona, funciona bastante bien. Las escenas de Minnie son maravillosas. Un mundo abandonado, compuesto por un monobloc (abandonado), un parque de diversiones (abandonado), y cuatro mujeres, únicas en el mundo, todo en tonos rojos. Ah, y las escenas del hospital fantasmal, dignas de Cronemberg, todo blanco (menos la sangre). Una película sobre la sangre, sobre la muerte, y sin embargo me gustó. No me pidan que explique más. Ah, está mamá Evangelina (¡actúa!) y papá Palito (¡compone y canta!). Está muy bien. En programa doble con Géminis es un poco demasiado, pero así y todo está muy bien.

So cute!, presentada como comedia coreana

No hay comentarios.:
Oi oi oi, ¿por qué será que en este fest todo es ni fu ni fa? ¿Será porque estoy tan filtrada que cabeceo en todas las pelis? ¿eh? ¿eh? ¿ehhh?? A esta le tenía muchas ganas, pero no terminó de cumplir. Está bien, coreana con música pop (pop yanqui, ojo, Girls just wanna have fun), algún chiste, alguna mafia coreana, una chica y muchos chicos, algunos golpes. Como plus los coreanos todos bien diferenciaditos. Pero no sé, le faltó una vuelta de tuerca. O será que el efecto sorpresa ya pasó, que el extrañamiento con Seúl ya no me extraña, que vi demasiadas pelis de monoblocs con basurales adelante... O quizás simplemente vi demasiadas pelis. O sea, bien, o mal, ya no sé, pero acostumbrados.

Marcela Basch

jueves, abril 21

Dj malhumor se ensarta

No hay comentarios.:
Programa Vogel 2. Che todo bien con eso de querer mostrar todo. Pero de entrada empezamos con mostrar lo que otro mostró, en este caso Amos Vogel, y así podemos seguir para arriba, mostrar lo que uno mostró que otro mostró tatata....El tema es si merece mostrarse, y si todo merece mostrarse, bajo qué circunstancias. Los tres films que vi de este programa solo tienen un valor de archivo, históricos o para un investigador, es decir, no tenés que pagar para verlos sino te tienen que pagar para que vos investigues. Es verdad que el festival suple lagunas que otras instituciones no llenan, pero avisen che, porque no le hace bien ni al festival, ni a los espectadores, ni al film mismo. El primero de ellos Mashes of the afternoon al menos es un film experimental y uno se puede enterar que en EE.UU. en la década del cuarenta también se experimentaba, el segundo, The Plow that Brokes the Plains¡ay dios!; Sucesos Argentinos, linda fotografía sí, pero era un documental sobre la desertificación de la pradera norteamericana, lo juro, hacia el final daba las cifras y el nuevo programa gubernamental para revertir la situación. El alemán al lado de mío hacía gestito de que mierda tengo que estar mirando esto. Empieza el tercero, Le retour. Estaba en francés y sin subtítulos, pero ni sabiendo francés se entendía de tan malo el sonido. Hubo un segundo de duda cuando empezaron las imágenes bélicas de la segunda guerra y pensamos en otro sucesos argentinos. Por suerte enseguida apareció el nombre de Cartier –Bresson y nos tranquilizamos. Poco tiempo. El catálogo dice, siguiendo a Vogel, que este es uno de los más grandes films de todos los tiempos. Okei, vamos aprendiendo que todo el mundo se equivoca y que los programadores de todas las épocas ensalzan sus películas. Eso es la lección histórica que aprendí. Me fui a la mitad y casi me mato en la oscuridad. Del cuarto film que te cuente otro.


Dj malhumor.

Nos hacemos los olfas

No hay comentarios.:
Helicopter String Quartet y Conducting Mahler de Frank Scheffer.

Che Mahler está buenísimo!!! y Stockhausen es como el Brian Eno de la música clásica, hace tocar a otros y se divierte mucho. Una vez soñó con un concierto desde el aire y entonces compuso lo que nunca, un cuarteto de cuerdas, eso sí habia que tocarlo en simultáneo desde cuatro helicópteros. El desde la consola abajo mezclaba y le iba dando enter, le falto un poco de fritura nomás. Testigos oculares fiables dicen que la beatrífica Sarlo gritaba en la sala, ¡¡aguante stockhausen!! ¿Alguién la vió en el concierto de los Stripes??
Que buenas cuerdas che, que gente interesante los directores de orquesta; ellos con sus cerebros a full y nosotros aca escribiendo pavadas!!

Dj malhumor.
No hay comentarios.:

¿Quieren noise?

Los amigos se equivocan pero igual los queremos.

No hay comentarios.:
Silver City de John Sayles y The girl from monday de Hal Hartley

Creemos que John Sayles es una buena persona y que debe estar bueno tenerlo de amigo. Trabajó con Roger Corman y sino me equivoco hizo el guión de Piraña. Cuando se puso a hacer películas su cine siempre fue un cine político aunque en clave de género. Sayles filmó la primera pelí norteamericana hablada integramente en castellano, el protagonista fue Luppi, hombres armados, excelente; como Corman había estado en la Argentina produciendo cosas clase b le pasó el dato de Federico Luppi. Lonely Star es nuestra favorita a la fecha y en muchos aspectos la más parecida a esta Silver City, nuevamente un asesinato y un investigador que averigua mucho más de lo que debería y quisiera, como si siempre el dilema fuera saber o no saber; porque una vez que se sabe, bueno...Hombres armados transcurría en cierto país centroamericano; lonely star en el sur de EE.UU., ambas tenían una atmósfera de western meláncolico o crepuscular. Su profundo disgusto por la sociedad americana es evidente y como me dijo una amiga, no hay algo mal, esta todo mal. Silver City es una película que pasó cerca de ser perfecta, sin embargo pierde fuerza por la acentuación de un mensaje que no lo necesita y habla por sí solo. La pelí está llena de personajes entrañables (la peli es la más grande a la fecha de Sayles con muchas estrellas, desde Daryl Hanna hasta Tim Roth) y en su mejor momento esa construcción de multiples personajes la acerca a lo mejor de Altman y a una trama digna de Barrio Chino. El problema es que otras veces lo que quiere ser ironía pasa a ser sátira política demasiado directa y todo pierde fuerza, ahí se acerca a otro director con ese problema como Loach. El mismo problema tuvo en la anterior peli que vimos en mardel, la casa de los babies. Y sin embargo simpre vamos a preferir una no tan buena de Sayles, a una buena de...que se yo...cada uno elija.

PD: qué enamorado estaba de Daryl Hanna en los ochenta; y que buena está cuarentona, sin una sola cirujía, riéndose de sí misma en el personaje que le toco, no es casualidad que esté filmando con Sayles.

A otra cosa mariposa. A Hal no lo podemos tratar como a otro cualquiera. Cuando me enteré de que había una peli suya (increible que tuvimos que esperar hasta el séptimo festival; se nos pasaron las joyitas de Amateur, Henry´s Fool y The Book of Life) sentí como si me hubiera llamado una antigua novia que no veía desde hace años. Mezcla de ganas, curiosidad y miedo. Una vez en el cine lo único que quería es que todo termine lo más decente posible. Hasta ahí llegué, no más. Y poniendo ganas, recordando lo que fue y no lo que es, entendiendo que lo que escucho me resulta simpático porque me viene de lejos, de otra época. Un poco como ver a tu estrella favorita no cuando debías sino años después, entonces no querés que desafine y entonces hasta preferís que cante otra cosa. Así fue. Espero que la próxima ya no tenga que pensar en los que fuimos sino que me sienta como si fuéramos otros.

Dj malhumor

miércoles, abril 20

No hay comentarios.:

Meeting Point 2AM

Nos quedamos a dormir en el VIP para ser los primeros en la cola de las entradas a la mañana siguiente

Como un avión estrellado, Ezequiel Acuña, Argentina

No hay comentarios.:
Sí, fui a ver otra de Ezequiel Acuña. Pensé que nunca lo haría, pero caí. Cómo describirlo; lo más descriptivo es el título mismo. Me parece que lo más acertado es decir que, en comparación con esta peli, Nadar solo era un auténtico canto a la vida. Por lo menos Nadar solo terminaba con la expectativa de un amor, y no había muertes en la superficie. En fin. Esta es más pesada, pero, por algún motivo misterioso, me parece también que es más bella. Sale Antonella Costa, entra la chilenita Manuela Martelli, rodeada siempre por un halo angelical formado por música epifánica por y para chicos tristes, conejitos y frondosos bosques palermitanos. Sale el mar de Mar del Plata, entra el mar de Valdivia. Sale el hermano perdido, entra el hermano presente. Y entra algo de una violencia y una impotencia un poco más real, más fuerte. Absolutamente prohibida para domingos a la noche. Pero un día bien soleado pueden probar. La música, por supuesto, la de siempre. Están avisados.
Marcela Basch
No hay comentarios.:

¿La vida es bella?

L' amant, de Ryuichi Hiroki, Japón

1 comentario:
Otra de Hiroki, el japonés de programa cuádruple de este año. Vibrator estaba muy bien, sobre todo como primera película del fest, con su música como elegida por algunos amigos, su romance y su mundo visto desde la cabina del camión. A L'amant le falta un poquito más; se nota más el famoso género pink eiga del que hablan, películas eróticas pero sin mostrar las partes. Acá tenemos una colegiala amante de tres hermanos. Muchas escenas de sacarse la bombachita por abajo del jumper. Mucho flequillo y mirada rara. No está mal. Tampoco es para matarse si ya pasó. Algo raro está pasando con este festival, donde ninguna película está demasiado bien ni demasiado mal. O quizás sea yo.

Marcela Basch

Dos de kimki

No hay comentarios.:
Samaritan girl y 3 iron, Kim Ki Kuk
Que tipo curioso que es este Kim Ki Duk, el primer director coreano que nos aprendimos el nombre; a fuerza de buenas películas claro. El gusto sobre cada una de ellas está siempre en riesgo, están los que prefieren unas y están los que prefieren otras, lo que la mayoría no duda es que sus películas son impredecibles y desbordantes de ideas. Es verdad también que a partir de Primavera, verano, etc, etc, su cine tomó un rumbo (o un matiz) contemplativo que sorprendió a muchos y que le abrió el campo a un público más amplio, las cuatro estaciones era la primer película que podías llevar a tu novia sin que se quiera ir antes por la brutalidad de las imágenes o por la brutalidad de los personajes (aunque no fuera explícita). Esto vuelve a ocurrir con 3 iron, andá con tu novia sí querés (o anda con tu novio si le impresiona la sangre, solo alguna paliza nada más). En Samaritan girl es más complicado, empieza con Buda, sigue a lo Kim Ki y termina como quién sabe. En películas como la isla o primavera tatatata las locaciones eran uno de los personajes, aquí el espacio urbano desdibuja ese aspecto. Sim embargo, como el protagonista de 3 iron se dedica a entrar a casas sin sus dueños, una y otra vez entramos a un universo distinto, se sabe, cada casa es un mundo. A pesar de su rasgos de estilo, cada película de Kim es distinta, y no debe haber director contemporáneo tan imaginativo y trabajador a la hora de pensar y escribir un guión. El coreano hace lo que quiere en verdad y hacia donde quiere nos lleva. Es sabida su manipulación emocional, sorprendete a veces, tolerable solo por su talento otras. Un amigo me dijo que esa manipulación ahora pasó al plano moral, si es que puede hacerse esa diferencia. Me lo decía un poco quejándose, Kim Ki Duk se ha puesto sentencioso. Puede ser, dejo la duda. El gran tema de sus primeras pelis era la animalidad en el hombre, yo diría el entremundo. Desde primavera y que se yo, ese entremundo mucho más que entre bestias y hombres, es entre hombres y espíritus. Muerte y transfiguración. Yo creo que kimki ha ganado cuando pasó de presentarnos personajes perversos por naturaleza digamos, a presentar personas comunes en situaciones extrañas. Las dos películas están llena de llanto y violencia (aunque no tan explícita) y de momentos felices también. Incluso el primer suicidio feliz que he visto en mi vida.

Dj malhumor
No hay comentarios.:

Chicas samaritanas

Spying cam, Whang Cheol-Mean, Corea

No hay comentarios.:
Una de coreanos, mitad política, mitad... no sé, coreana nomás. Algún metajuego con el sentido del cine también hay. Dos hombres en una habitación haciendo nada, matando el tiempo. Y hay una cámara. Después de muuuucho rato se devela una misión política. Y otra vez la cámara metiendo la cola. Prescindible.
Marcela Basch

A tout suite, de Benoit Jacquot, Francia

No hay comentarios.:
Dicen que es un homenaje a Sin aliento. Algo de eso hay, no lo vamos a negar. En blanco y negro, está situada en 1975 y podría haber sido filmada en la misma fecha. La trama es simple: chica bien, rubia, 19 años, liberal, se enamora locamente (fou) de muchacho moreno, pinta de marroquí, rarito. Al segundo día, plum, él es un ladrón y ella huye con él. Huida sin fin: viajes, fronteras, pasaportes. Desde un punto de vista feminista daría un poco de bronquita el personaje protagónico. Desde el cine existencialista, qué quieren que les diga, está bien.
Marcela Basch

martes, abril 19

Do U Cry 4 Me Argentina?

No hay comentarios.:
(Esta discusión empieza unos posts más abajo.)
Ay, Malhumor, Malhumor... Sabemos que te gustó Do U Cry 4 Me Argentina?. Sabemos que te pareció un buen esfuerzo, digno de sacarse el sombrero y hacer infinitas reverencias. Pero ¡por favor!, no me malinterpretes.
Que vendas tu coche no tiene ninguna influencia en la estética de tu película, a menos que filmes sólo con esa guita, y así y todo, puestos a recortar presupuesto, que los colores saturen, los tamaños de planos y los encuadres sean poco felices, y que los demás detalles se descuiden (los foleys, y hasta las sombras del equipo técnico en cámara, algo imperdonable a menos que te llames Ed Wood y busques reconocimiento por lo poco avispado que sos en el set), no tiene relación alguna con la guita que tenés.
Que vendas tu auto es un gesto de amor y de sacrificio: amor por lo que hacés, por que creés realmente en eso, algo poco usual por estas pampas de subsidios regalados, dinosaurios en actividad fílmica y nuevos oportunistas subidos a la nueva ola de cine argentino, cada vez más desdibujada.
Vender tu auto es algo admirable. Pero que el producto resultante esté a la altura del sacrificio personal es otra historia, muy distinta.La honestidad y las buenas intenciones cuentan, por supuesto, y eso nunca lo negué. El tema es que esas dos cosas solas no te transforman en un cineasta. Te transforman en un tipo honesto y bien intencionado.
En un momento decís que el hecho de ser un narrador privilegiado por ser parte de lo que contás, por vivirlo, es importante, más allá de los resultados. Permitime disentir con vos: el resultado para mí es esencial. Si lo que contás lo hacés con un desprendimiento total de los mínimos requerimientos básicos para una película (como pedirle a tus amigos que se corran a un costadito cuando están filmando un planito,porque su sombra entra en cuadro), entonces lo que contás se vé perjudicado, porque el espectador se distrae, porque el efecto dramático buscado se pierde, porque es amateur, pero en el peor de los sentidos. Si querés transmitir una idea, el cuidado de la forma en la que lo hacés es vital: mientras más descuidás las cosas, más perdés la atención del público.
Es muy importante saber de lo que uno habla, tanto cómo saber transmitirlo.
Si la película es o no ingenua, es otra cosa. No creo que porque el director sea de una u otra nacionalidad tenga mucho que ver en el asunto. Sería poco precavido pretender otorgarle determinadas características a la obra porque el director es oriental. Y digo esto porque entré con esa actitud a la sala y salí con la conclusión de que fue un tremendo error de mi parte. No sé que cine oriental viste de entrada, pero pocas de las pelis orientales que me gustan me resultaron ingenuas.
Lo del valor antropológico, en mi notita, era sólo como única forma de explicar la inclusión de una película no tan lograda desde lo formal (y que esto no se tome sólo como una apreciación personal, por favor), en la sección Competencia Oficial de un Festival Internacional. Algo que habla mal de todo lo que tiene mayúsculas en este párrafo. A menos que uno mida las Buenas Intenciones de los Programadores.
Por último, lo de los insultos.Por favor, no lo saques de contexto: si bien no terminé de ver la película, el hecho de que los que insultan al comienzo a los coreanos son un inspector corrupto y un ladrón, habla de que los porteños malos son racistas. Y que el director no se juega a mostrar a alguien "bueno", normal, identificable con el espectador, que lo sea. O sea, algo poco jugado. Que el racismo existe en Buenos Aires para con los orientales en general es un hecho, no creo que un par de puteadas hablen bien de eso, es más me parece algo burdo, poco sutil y -en consecuencia- poco efectivo.
Me alegro que la peli te haya parecido entretenida y bastante divertida. Es un buen punto de partida para invitar a la gente a que la vea y nos putee después, a vos o a mí. O a los dos...
Pablo
No hay comentarios.:

Fumate uno, Malhumor

La chica del lunes, de Hal Hartley, Estados Unidos

No hay comentarios.:
Bueeeno... no sabemos bien cómo empezar. No es culpa del pobre Hal que Trust me y The unbelievable truth hayan sido tan importantes para tanta gente. El no pidió la medalla de portavoz generacional. Pero la tenía, a su pesar. Más de diez años después, la expectativa era demasiada, y la película no se la aguantó. Hal se sale de su molde suburbano con un guión futurista distópico, a la manera de 1984 o Brazil pero un poco menos, rozando peligrosamente la alegoría. Los personajes no dan para encariñarse mucho. Ah, además hay extraterrestres y mucho movimiento de cámara. Que no se me malentienda, la película está bien, es entretenida todo el tiempo y hasta puede conmover un poquito. Pero esperábamos más. El problema son siempre las expectativas.
Marcela Basch
No hay comentarios.:

La escuelita del futuro

Hermanas, de Julia Solomonoff, Argentina

No hay comentarios.:
A ver: está bien, está muy bien. La película es honesta, es sensible sin ser demasiado sensiblera, el desenlace es bastante previsible pero no molesta; al fin y al cabo, no es un thriller sino un drama sociofamiliar. Dos hermanas se reencuentran en 1984 tras nueve años de separación: la que se exilió por cuestiones políticas visita a la que se fue a Texas por cuestiones económicas. Los flashes reponen lo que hace falta saber del pasado. Las actuaciones son correctas; Horacio Peña y Mónica Galán hacen lo de siempre, lo que ya saben. Ingrid Rubio (¿para qué poner una española hacer de argentina? ¿para qué?) se pasa un poquito de mambo. Pero la que salva la película es Valeria Bertucelli, realmente una actriz de primera, que se luce tanto con Rejtman como con Suar o Campanella. Está fantástica en un papel imposible: ama de casa full, en plan “no discutan de política”. La escena en la que baja del auto con las clásicas bolsas yanquis de la compra y se pierde en su suburbio es fabulosa. Bien por Valeria. Ah, y la peli va a ser de las que ganan los premios locales, tiene todo para serlo.
Marcela Basch

Ghosts, de Christian Petzold, Alemania

No hay comentarios.:
Película “de climas”, se diría. De gente que busca gente: una mujer francesa busca en Berlín a la hija que le arrebataron hace más de una década. Una chica sola busca a todos y a nadie. Encuentros, desencuentros, buenas actuaciones. Lo que se conoce como cine europeo.
Marcela Basch

Mc Dull, prince de la Bun, de Toe Yuen, Hong Kong

No hay comentarios.:
Maravilla hongkonguesa para la tarde de domingo. Personajes con una estética de sticker para pegar en la cartuchera cuentan una historia de a ratos tierna, de a ratos desopilante, todo el tiempo onírica. Mc Dull es un chico (tiene que ser un chico, aunque tenga cara de chanchito, porque va al jardín) que vive en un suburbio adonde está por llegar la reurbanización. Los planos del barrio son magníficos; parecen tomas de posguerra, pero en dibujitos. Vistas desde arriba, las grúas bailan. En el jardín, le enseñan todo lo que va a necesitar en la vida: relaciones interpersonales (cómo decir “hola cómo estás”), tamizadas con patadas para defensa personal, cómo hacerse el muerto y cómo hacerse el inocente. La mamá (misma cara de chanchito) paga fortunas para llevarlo a un simulacro de entrevista de trabajo. La mamá lo lleva de pic nic a un hermoso prado donde ha comprado su tumba. La mamá le lee un cuento escrito por ella, aunque él le pide a gritos que lea Harry Potter. El cuento es el del príncipe Mc Dull, y a partir de ahí los planos del relato se cruzan constantemente; el héroe anda por ahí paseando con un niño con cara de pizza. En el cuento los colores son más brillantes. Cómo explicarles. No la dejen pasar.
Marcela Basch

Do u cry 4 me Argentina? de Bae Youn Suk

No hay comentarios.:
La prímera cosa que me gustaría decir es que considero un acto de fundemental importancia estética el vender tu auto para hacer una película. La segunda cosa es que la honestidad y las buenas intenciones cuentan. Por supuesto que si Oliver Stone hace un fiasco de Alexander con sus buenas intenciones no sirve, pero sí de lo que se trata es de contar algo que vos solo podés, porque resulta que sos él único que está allí y puede contarlo, cuenta y es importante, más allá de los resultados. Tercera. Está es una película ingenua en algunos aspectos, tan ingenua como nos parecían todas las películas orientales cuando empezamos a verlas y aprendimos a hacerlo. Cuarta cosa. La pelicula es entretenida y bastante divertida, con todos sus actos fallidos a cuestas. Quinta. La idea de que una película puede tener solo un valor antropológico es una idea del pasado, la idea del hombre blanco occidental que mira cultura extrañas como un espectáculo. Sexta cosa. El qué en una pelicula hecha en Buenos Aires por un miembro de la comunidad coreana los personajes varias veces al día reciben insultos del tipo coreano de mierda puede ser un error de guión; también puede indicar que los porteños son mucho más racistas de lo que queremos admitir. Y eso es solo algo que un miembro de esa comunidad puede saberlo.

Dj malhumor

lunes, abril 18

Dj malhumor sibarita: un buen vinazi, unas hermosas canciones.

No hay comentarios.:
Mondovino, de Jonathan Nossiter; Amazing Grace: Jeff Buckley de Adams y Trombley.

Personalmente creo que Mondovino es una de las películas más disfrutables y gentiles del festival. Casi tres horas de un paseo por el mundo del vino, su cuna, Francia e Italia, su amenaza, EE.UU., su futuro, Brasil y Argentina. Nossiter hace fácil lo que es muy difícil, por empezar hace hablar a todo el mundo, a un conde Italiano, a un maganate norteamericano o un pobre campesino saltaño. Nossiter es una persona inteligente y punzante, pero tan pero tan caballero que en medio de la más cordial entrevista puede preguntar de la forma más natural a un conde si ha sido fascista en tiempos de Mussolini, o a un patrón argentino por qué los paisanos no cultivan la vid teniendo algunas tierras también (es una raza sin iniciativa dice el patrón de estancia, como si fuera la respuesta que Jonathan esperara). Nossiter hace una película sobre vinos porque es el mundo al que ahora todos quieren pertenecer pero justamente para mostrar otro mundo al que todos les hacemos la vista gorda. Como aquella vez que presentó en otro BAFICI su excelente signs & wonders y preguntó al pasar, tímido, sino nos parecía un poco raro hacer un festival independiente en un shopping. Nadie dijo nada y sonreímos, como con está peli que nos mantuvo con la sonrisa en la boca durante todo el tiempo. Hay momentos notables en este film hecho con cámara en mano y que se mueve por todos lados como un testigo invisible, astuto, implacable y certero. Primer regalo del día.
Segundo, la sonrisa de Jeff Buckley. Que extraño el mundo de los medios que nos pueden dar imágenes tan distorsionadas de las personas. De Jeff no conocía nada, tenía tan solo la idea de que era la nueva estrellita más o menos alternativa, justo lo que él no quería que pensáramos. Después supe que murió en una especie de broma que olía a suicidio y a la mejor muerte que podía tener un poeta, internarse en las aguas de un río como el Misissipi. Sabía en verdad que Jeff era el hijo de Tim, para mí mucho más un compositor que un interprete, tan difícil de entenderlo en sus discos desparejos y raros. En cambio tantas versiones hermosas de su Siren song. Otra estrella que se apagó rápido y que curiosamente no se menciona una sola vez en el film. El documental no pasará a la historia como una muestra de originalidad, pero está la sonrisa de Jeff y sus palabras sabias que vienen extrañamente de alguien tan joven, como si no pudiera ser él, como si hablara con la memoria de otra vida. Jeff no parecía un artista torturado aunque tenía sus malos días. Entré al cine para conocerlo y fue un regalo. Sus canciones no son las más bellas que haya escuchado, no, las he escuchado mejores. Pero me es claro también que él no era de este mundo.

Dj malhumor.

Do You Cry 4 Me Argentina?, de Bae Youn Suk

No hay comentarios.:
Hace unos cuantos años, exactamente después de padecer completa 1.000 Boomerangs de Galperín, me prometí no sufrir más una sola proyección cinematográfica. Igual, siendo una persona exageradamente permisiva en cuanto a mis gustos fílmicos, rara vez sucede. Rara vez me las tomo picando. Rara vez me pregunto en qué cabeza puede entrar programar una película cuyo único valor es -quizás-, el antropológico. Porque no le creo a nadie que me hable bien de la fotografía de esta peli. Ni del sonido. Ni de las actuaciones, de los encuadres, ni de las "secuencias de videoclip" (por lejos, lo peor que me tocó ver en una pantalla grande en años). A medida que escribo esto me agarra remordimiento. Sé que la película se debe haber filmado con mucho esfuerzo, con las mejores intenciones y la mejor de las leches. Pero hacer que a los cinco minutos de empezada la peli un personaje (corrupto) diga "ustedes los coreanos siempre trabajan con ilegales ", y que unos minutos después un conductor (después nos enteraremos de que es un ladrón), insulte desde su auto a una chica que cruzaba la calle diciéndole "coreana de mierda", me parece muy grave: por la absoluta ausencia de cualquier tipo de sutileza, por lo obvio y por lo mal realizado, no muy lejos de la torpeza.Entiendo la necesidad de que exista una peli que trate el tema de los inmigrantes y todos sus problemas. Pero que el que la haga que al menos vea Haz lo correcto (Do the Right Thing) de Spike Lee, así al menos afana una idea. No puedo hablar del guión en su totalidad ni mucho menos de cómo siguió desarrollándose la película, porque sí, huí a los 20 minutos. Llámenme cobarde, poco considerado y hasta desalmado, más allá de lo que les haya costado hacer esta película, con ó sin ayuda del INCAA, el resultado no es mucho más que una gran suma de buenas intenciones. Puede que las mejores posibles. Pero eso es todo. Los esfuerzos, amigos, no tendrían que tenerse en cuenta en el momento de ver una película.

DiG!, de Ondi Timoner

No hay comentarios.:
Anton Newcombe está del orto. Anton Newcombe es un genio. Ese es el principio y el final de la peli, la dualidad de una persona transformada en personaje. Un cantautor maldito que no hace más que seguir adelante con cada idea que se le cruza por la cabeza, no importa lo descabellada que sea. DiG! es uno de esos largometrajes que te dan ganas de que sigan, de que no se terminen. Si bien puede ser un poco redundante en algunas cosas, eso es lo que lo hace más interesante: el día a día en la vida de dos bandas, una con mayor tendencia autodestructiva que la otra. Los shows de los Brian Jonestown Massacre, siempre tuvieron fama de apocalípticos, verlos en todo su explendor es un verdadero placer. Las trompadas de Anton a sus compañeros, las patadas al público y las peleas por ningún motivo, son fuertes y recurrentes.Las drogas, las deserciones d elos distintos miembros, los shows caóticos, los fracasos comerciales, los éxitos de venta y todos los lugares comunes y clichés del mundillo rocanrolero están tan bien trasladados a la pantalla que da gusto caer con Anton. Es más, me arriesgo a decir que va a ser uno de los personajes más memorables de todo el Festival. Perdérselo sería un crimen.En la página oficial de The Brian Jonestown Massacre, Anton se encarga de aclarar que la edición final de la peli se aleja de la realidad (click acá). Así y todo, si bien hay escenas en las que queda bastante mal parado, no sería extraño que la banda gane nuevos adeptos. Y vaya que se lo merece.
No hay comentarios.:

¿En cuantas pelis lo viste a este?
No hay comentarios.:

Monte Hellman, eslabon perdido entre el profesor Locovich y Carlos Bianchi

Las ganas de ver pelis (y hacerlas)

No hay comentarios.:
Ride in the Whirlwind y China 9 Liberty 37, Monte Hellman

¡Qué bueno ver westerns en el cine! ¡Qué sabor a sábados de super acción! La retrospectiva de Monte Hellman permite ver un cine desaparecido, el buen cine comercial de presupuesto pequeño e ideas ocurrentes. Justo cuando se está poniendo difícil ir al cine. Las pelis de los estudios son demasiado evidentemente comerciales (que ese no es el problema sino que están orientados a un segmento que no es el nuestro) y las películas artísticas sino son geniales (la mayoría) o son directamente un plomo o son un trabajo verlas, demasiado trabajo. Entonces un respiro con un buen western realista y minimalista como el primero (con un jack nicholson casi irreconocible e incluso autor del guión excelente) y unas cuantas risas con el segundo, westernplotation romantico con tetas, culos, números musicales flower power y un protagonista muy parecido al ova sabattini (después de todo es un spaghetti western che!). Dos hombrotes separados por una mujer. En este tipo de conflicto siempre pierde la amistad!. Al final Borges, que le encantaban los westerns, fue el más tarantino de todos, en la intrusa, nuestro western criollo, los dos hermanos se arreglan matando a la chica. ¡¡Esos son hombres!!

Dj malhumor

domingo, abril 17

Palindromes, Todd Solondz

No hay comentarios.:
La del sábado con el cine atlas a reventar fue una función bastante fallida. La mitad del cine se preguntaba por qué la otra mitad no paraba de reirse. En medio de la proyección empezaron a los gritos a pedir que se enciendan las luces; algunos se apresuraron a salir temiendo lo peor. Pasó que un espectador tuvo un ataque de epilesia. En mar del plata ví algo parecido cuando un espectador se demayó por lo fuerte de unas escenas gore. Aquí la película no parece haber sido la causa aunque algunos decían, cuando no se sabía que pasó, que la película era muy fuerte y que más vale no hubiera embarazadas en la sala. La película es un desfile de niños abusados, abortos, freaks, niña con tiro en la cabeza y fetos en bolsitas. Una función rara para una pelí rara. Una función fallida (se de gente que se fue porque no soportó el público) para una película fallida (para mí al menos). Digamos que en un extremo de la paleta sentimental hay una delgada linea que separa lo romántico de lo kitsch, en el otro extremo también es delgada la línea que separa el sarcasmo y la acidez de la bacanal estilo estudiantina escatológica. Lo de Solondz que es una persona muy inteligente y mala lo podriamos llamar gore psicológico. Todos recuerdan a Happiness como una peli intensa y dramáticamente intachable; la famoso escena de la confeció pedófila arrancaba más de una risa angustiosa. En palindromes las risas fueron constante al estilo, mira que graciosa la negra gorda como una vaca y violada por camioneros. Yo no creo que esa haya sido la intensión del director pero así reaccionó la audiencia en general. O tal vez sí fue la intensión; como diciendo, el abuso no necesita de una estructura dramática para presentarlo y que lo haga tolerable. En fin. La pélicula es ingeniosa e innovativa en lo formal; contada en episodios existe una rotación de los actores cumpliendo distintos roles y con una temporalidad alterada. Sin embargo está misma presentación en capítulos por momentos la hace paracer una pelí de skechs a causa de esa intensión constante y manifiesta de molestar. Personalmente pienso que el clasicismo de happiness es mucho más leal y efectivo que la manimulación de palindromes ya bastante evidente en Storytelling. Si lo dejamos pasar y con gusto fue que en aquella peli otros de los efectos especiales incluía a los adorables Belle & Sebastian que aquí extrañamos

Dj malhumor.

El azar.

No hay comentarios.:
Opus, Mariano Donoso.

Por razones del dispositivo de seguridad interno jamás hubiera ido a ver esta película sin al menos tres recomendaciones provenientes de tres distintas personas provenientes de tres distintos círculos sociales y preferentemente con distintas edades. El tema de la película es la imposibilidad de hacer una película por un director novel, dirigida por un director novel que así pudo hacer su película. No. No hubiera entrado pero resultó que la otra película que quería ver era demasiado larga y perdería mi cita con el abogado que está siguiendo el caso del robo de mi bicibleta mientras veía películas malas. Lo que demuestra que la cuestión de la duración de una película no es solo un tema subjetivo, una película puede ser larga porque sino perdés la cita con el dentista o con la mujer que te puede cambiar la vida. Como era corta entré a ver Opus y fuí premiado. Las películas de este género pueden virar hacia películas pretendidamente existenciales que enmascaran una absoluta falta de ideas y la sola idea de querer filmar (o escribir un libro). La otra posibilidad es la de hacerce el banana por creerse muy capaz de hacer una película pero en verdad fingir no poder. Puede ser peor. Para colmo después de Kiarostami que hizo de la imposibilidad su poética cualquiera cree poder hacerlo. Bueno, esas eran mis razones para no entrar, por suerte el director eligio la tercera vía de la honestidad, el realismo y la inteligencia. Opus es una película de ficción cuyo acontecimientos son estrictamente reales, o, un documental que se ficcionaliza a sí mismo pero por un extraño giro se vuelvo también un documento. Lo que sea, Opus es una comedia a fin de cuentas porque provoca risa, divierte y es catártica. Esto último es notable acostumbrado al tango llorón y autocomplaciente como estamos. Hay una atención especial al aspecto comunicacional y visual de la ciudad de San Juan de donde le director es oriundo. Los que conocen el proyecto cartele (www.cartele.com) lo van a disfrutar. El film tiene también fuentes literarias y cada segmento está organizado como el capítulo de un libro precedido por una cita; la mayoría más que oportunas y reveladoras, incluso parecen ser las citas de alguién que ha leído, eso tampoco lo sabemos con seguridad. Retratar la Argentina siempre es fácil, complicado y doloroso a la vez. La cuestión es conseguir un punto de vista, que es al mismo tiempo conseguir un lugar también. Donoso por momentos es un nanni moretti (o ese israelí tan inteligente que no recuerdo el nombre) en ciernes; y puede hacerlo poniendo en juego un dispositivo antinarcisista que hace tolerable y disfrutable esta apuesta. Que el film terminé con imágenes de su propio casamiento es notable. Las imágenes podrían ser las de Silvia Prieto pero al ser las propias el lugar del irónico intocable cae inmediatamente y reímos con él. Habrá que ver que quedará de ello una vez que le fue bien y finalmente hizo su primer film. Pero bueno, el problema del segundo film ya es otra historia.

Dj malhumor.

sábado, abril 16

Tropical Malady, Apichatpong Weerasethakul.

No hay comentarios.:
Lo que más quisera en la vida es cruzarme con un puma. Un amigo vió huellas en la nieve y otra vez vió la cola entre los pajonales. Vivió once años en un refugio de montaña y ese fue su regalo. Esta película es sobre lo que significa un encuentro epifánico y es ella una epifanía misma. Del director habíamos visto la increible Blissfully Yours (la película con los títulos en el medio y música de Arvo Part). En apocalisis now hay un encuentro (o desencuentro) de un soldado con un tigre. Esta es la historía de ese tigre (podría serlo), o lo de todo lo que ese soldado no comprendió (porque era norteamericano). La película consta de dos epidodios diferenciados. No es más lo que podemos decir ni la relación de un capítulo con el otro. Para la primera parte uno podría pensar en la madurez del Tsai Ming Liang de ¿Que hora es allí?. Las fuentes para la segunda parte son preferentemente literarias. Historias sobre buddha, Las mil y una noches; Kiplying, es decir, Borges. La película es sobre la animalidad en el hombre, en ello se podría parecer a las cuatro estaciones de Kim Ki Duk, pero hasta allí llega el paralelismo. Podría ser sobre la cacería que es la búsqueda de un amor; matalo y libéralo de esta vida de fantasma o déjate devorar y conviertete en uno de su misma clase. Toda una película para que los ojos de un tigre digan más que mil palabras. Silencio.

PD: sí, creo que es una película perfecta.
PD2: cuando no haya más posibilidades de toparse con un tigre el mundo estará seco.

Dj malhumor.

Rompan todo

No hay comentarios.:
The slog movie, Dave Markey
Me veo la segunda película de este pibe que en verdad es la primera. Documental sobre la escena punk de inicios de los ochentas en L.A. En ese momento el director tenía 17 años y tocaba en una de las bandas. Yo diría que nadie pasa de los veinte; hay tanta energía acumulada como para volar las torres gemelas, qué país interesante puede ser EE.UU. Produce la cultura más horrible del planeta y al mismo tiempo su contracultura no solo es de lo más estimulante y viva sino que resuena también en todo el orbe. No conocía a ninguna de las bandas (salvo a Henry Rollins), no escucho punk todos los días y sin embargo se me voló la peluca. No me pasó con el documental sobre la gira de los Youths de los que me conozco todos los discos, o Nirvana, o Dinosaur Jr. Al lado de estos pendejos parecen no se, U2. Lo mismo con el film en sí, toda una revelación como lo fue en su momento Modulations, Live Forever o 24 hs Party People. A proposito una de las bandas se llama Wasted Youth. Se que debería ir a mi casa y regalar mis discos de Sonic Youth, y de Jesus and Mary Chain y My Bloody Valentine. No lo voy hacer y voy a seguir escuchando Radio Depts. Pero se lo que debería, solo me hago el tonto.

PD: dato curioso, hay un tema que suena dos veces y el riff es idéntico a Música Ligera de Soda Stereo; una investigación por aca!

Dj malhumor.

McDull, Prince De La Bun, de Toe Yuen

No hay comentarios.:
Acabo de salir de verla. De a ratos está bien. De a ratos es insoportable como ella sola. Va a ser difícil soportar a los fans que levante esta peli... Por un lado -por el visual- es, de a ratos, realmente asombrosa. Por otro -el guión- tienen unos cambios tan abruptos, salta tanto de la comedia al ¿drama?, ¿drama existencial?, que resulta un moplo.
Igual para todos los que aman el animé, son "ávidos lectores de manga" ó usan mochilitas de Pucca, esta peli les va a parecer genial. A todos los que tienen un poco más de juicio, les advierto que no ví una sola crítica / comentario online que no use la palabra "poesía". A mí me dan miedos las pelis que hacen que la gente se refiera así de ellas...
Esta, sí, sí, sí, es una de ellas.

viernes, abril 15

Olé, ole ole, sonic, sonic

No hay comentarios.:
1991, The Year Punk Broke, Dave Markey


Sonic Youth, Sonic Youth, Sonic Youth Así empieza este peli concierto y no se sí puedo agregar mucho. Tal vez, Nirvaná, Nirvaná, Nirvaná y Dinosar, Dinosar, Dinosar. Camara espía (y en mano) en un gira de dos semanas con los protagonistas mencionados. Algunas cositas:
1. ¡Como suenan los youths! Y yo me los perdí porque tocaban lejos (pero ví a iggy en el 87 jajaja).
2. Kurt aparece lateralmente y está bárbaro que así sea. Nos permite curosear, mirarlo y extrañarlo.
3.Hipotesis. La profesíón de músico de rock es la mejor del mundo. De cada cincuenta uno se mata, quiere saber si esa vida era real.
4.También de costado aparecen los ramones. En lo mejor de la película para mí (o el momento epifánico) la camara sigue a la banda de los youths jodiendo y haciendo chistes (los creíamos más serios). En eso se cruzan con joey Ramone. Hey joey, un saludo, estamos filmando Joey levanta la mano, enigmático bajo sus pelos y anteojos negros. Algo sucedió allí y no se qué es. Que alguien me explique.

Dj malhumor.

Dj malhumor se deteriora.

No hay comentarios.:
Me curtieron la bicicleta la p... que lo p.... Es culpa de Ibarra y le voy a hacer juicio. Al que me afanó la bici:
1. Ayer fue el peor día del año para andar en bicicleta y te debés haber cagado mojando
2. Mi bicicleta tiene un moderno dispositivo de seguridad que la hará volver a mi casa automáticamente.
3. En caso de que no funcione va a explotar y morirás.

Alguién en la redacción sugirió que pudo ser la gente del amante pero no quiero creerlo En todo caso dirimirá la justicia.
Sí quieren saber, me volví caminando bajo la lluvia, no soy hombre de llegar a caballo y volver en taxi.
Pregunta: Estamos por colonizar la luna, comunicarse con la península de Kamchaska es facilícimo, entonces, ¿Cómo es que ningún japonés inventa unos auriculares para diskman que duren más de un mes? Me tuve que comprar otros y me compré con vinchita. Japonés, se me partió la vinchita ¿entendés? No se pega con poxipol así que ahora ando con unos cosos enormes colgando de las orejas. Parezco esos colifas que se atan los pantalones con piolines. Parezco el loco bielsa (pero sin sus miles en el banco). Debo decir que entre tanto moderno hubo uno que me preguntó si eran un nuevo diseño. Entre tanto cine existencial siento que yo también me estoy deteriorando.
Ayer vi:
Right Now de Benoit Jacquot.
Hace unos años en el festival de Mar del Plata hciceron una minirestrospectiva de Jacquot. Al mismo tiempo estaban dando otra restrospectiva de Assayas (El de Irma Vep, Fin de agosto principio de Septiembre y en este festival Clean)Los dos son post nueva ola, segunda y tercera generación, y a pesar que Assayas es más pistola y sus personajes escuchan a Stereolab había más de un punto en contacto; evidentemente este origen común puede explicar muchas cosas.
Los dos tienen películas de chicas perdidas. Assayas tempranamente con Paris se despierta (y ahora con Clean según cuentan); Jacquot con (los títulos lo dicen todo): La desencantada y La chica sola. Este tipo de películas son las que acercan más a los dos directores; alejándose lo más posible cuando Jacquot (más viejo) hace cosas como filmar la opera Tosca, como si en un acto de autocastigo quisiera alejar a todos los espectadores posibles. El de las chicas sin rumbo es casí un género francés también; inmediatamente me viene a la cabeza la directora (bastante joven) Laeticia Masson que tiene un par de films al respecto que dieron en la lugones (siempre la ponen cuando aparece un ciclo de nuevo cine francés) y otra mucho más vieja de Agnes Varda, Sin techo y sin Ley (tal vez la mejor de todas). Estas películas muy variadas y distintas plantean diversas preguntas. La más acuciante para mí es: Las dudas de estas chicas y su estar en el mundo, ¿hablan de una condición metafísica, hablan de una condición de la femineidad o es algo que se arregla con dos o tres sopapos? Según los planteos de los distintos directores uno se inclina para cualquiera de las respuestas.
Right now está ambientada en una europa de la década del setenta y está tan bien hecho que olvidamos que no es hoy. La estética es nueva ola cien por cien y el comienzo es fulgurante y continúa por bastante tiempo. En el catálogo (está on line) dicen unas cosas bastante interesante al respecto y allí pueden ir. Hacía el final la chica se pierde, verdaderamente. Cada uno elegirá que clase de película vio.

Dj malhumor

The Girl From Monday, de Hal Hartley

1 comentario:
No sé ustedes, pero yo nunca había visto una peli de Hartley en el cine. Y menos así, en una sala y con un sonido que hacen que la situación sume varios puntos.
La nueva peli de Hal es una alegría. Porque lo hace volver un poco a sus comienzos (o sea, lo hace esquivar de taquito No Such Thing, su largo anterior). Porque reaparecen esos personajes con conflictos tan grandes que les duelen físicamente. Porque los Problemas y los Deseos siguen siendo el fuerte eje conductor de toda su filmografía. Porque es un Hartley clásico, más allá de que el 90% de los planos estan inclinados (en scorzo, creo que le dicen los que saben) y usa permanentemente el estrobo (¿la elección estética más jugada de su carrera?). La nueva peli de Hal es una alegría porque tiene mucho humor, pocas pulgas y bastante política. Todo mezclado, todo mezcludo.
En un futuro preapocalíptico, las frotaciones sexuales le otorgan puntos a los ciudadanos, quienes al terminar el coito se dirigen a cargar esos puntos que les dan crédito para moverse económicamente. No hay casi más libros, las escuelas son una especie de corrales virtuales y los alumnos, al igual que el resto de la sociedad, viven enceguecidos por drogas y cascos de VR.
Una chica baja de otro planeta. Desnuda, esbelta, espectacular. No sabe beber, comer, ni orinar. El protagonista (un Bill Sage que está muy bien, no desentona, pero hace desear a un Martin Donovan) la encuentra en la playa y se la lleva a su casa, sumándole una procupación más a las que tiene: una compañera de trabajo que le cae por demás simpática, un jefe medio déspota y un trabajo desagradable pero, por sobre todo, su participación activa en un grupo contrarrevolucionario. Y no nos olvidemos de uno de sus libros, Walden, de Henry Thoreau.
Esta es una de esas películas que uno ama u odia. Lo más prudente es conocer la obra anterior de su director, alguien extremandamente personal en su discurso. Por otro lado, si es la primer experiencia hartliana que uno vive, los pasos siguientes son inevitables: Confía en mí, La verdad increíble y La última oportunidad, las únicas editadas en nuestro país. O sino, más rápido y sencillo, leer esta interesante notita de Santiago B.
Para Hal, el único capaz de ver en lo que nos estamos convirtiendo los humanos es un extraterrestre. Para uno, Hal lo es desde hace años. Porque sólo alguien de otro planeta puede tener una facilidad tan grande para hacernos retorcer de gusto en la butaca.
Ultimo dato: la música de esta peli no es de lo mejorcito que compuso nuestro amigo HH, quien dejó de lado su alias Ned Rifle. Quizás habría que pedirle que lo vuelva a usar, que es siempre un placer.
El link de su productora, para quien desee visitarla, es este.
AGREGADO DE ULTIMO MOMENTO
Me olvidaba de algo importante. Esta es la primera incursión directa de Hartley en cuestiones políticas... Y digamos que no le sale muy bien. Es más, varias de las ideas son un poco... naifs, pero de manera feliz. El humor que surge de estas situaciones (que como castigo penal a alguien lo manden a dar clases y cosas así) es bien Hartleyano, pero peca un poco de... infantil, por más que me cueste decirlo. Están avisados..

jueves, abril 14

Two Lane Blacktop, de Monte Hellman

No hay comentarios.:
Las Road Movies suelen tener dos ó tres caraterísticas que las definen, más allá de las obvias (una ruta, algún medio de transporte, gente que se traslada): el motivo del viaje, por lo general, pierde peso frente a las experiencias vividas; los personajes y las situaciones que se topan en el camino son llamativas -por ponerlo de alguna forma- y, ante todo, el viaje termina transformando a quienes lo realizan. Si bien -al parecer- no es a propósito, la película de Monte Hellman atenta contra las "reglas" de la road movie. Algo que no resulta del todo gratificante, pero tampoco la transforma en una mala peli de ruta.
Al comienzo le cuesta un poco arrancar (sí, broma tonta, lo sé), pero la película empieza a ponerse interesante a los veinte minutos. Es cierto que esta aseveración es tendenciosa (me quedé dormido los primeros quince minutos), pero resulta interesante ver como a medida que avanza la "narración", los personajes se ven menos herméticos (aunque no mucho) y las situaciones se vuelven un poco más interesantes, aunque no menos repetitivas. Ese es uno de los mayores problemas de la película de Hellman: el guión no tiene una estructura hollywoodense clásica (los aplasusos y/o abucheos corren por tu cuenta, oh! lector/a!) y termina haciendo un poco de agua, ya que las situaciones tienden a repetirse (enfrentamientos con la policía, histeria femenina, etc.) y los tiempos se estiran un poco demasiado, asemejándose a los de Vanishing Point -sí, referencia obligatoria, de visión obligatoria-, pero quizá menos trabajados, con encuadres un pelín menos obsesivos y personajes un pelín más estereotipados.
Eso sí: nunca sabemos los nombres de ninguno de ellos, sólo el de sus roles (el Conductor, el Mecánico, la Chica) y el GTO, un personaje tan divertido como insoportable, de acuerdo al auto que maneja.
En IMDB la llaman la "2001 de la carretera", y sí, se fueron un poco al carajo. Aunque su lentitud en el desarrollo hace que la comparación no sea tan desacertada.
James Taylor y Dennis Wilson están muy bien. En especial el cantante, con el entrecejo semifruncido, las manos sobre el volante de manera casi permanente y esa sensación de swinging sixties, de alegría y desparpajo, sólo relacionada con los autos. Después de todo esta es una de las pelis más tuercas que hay por ahí, hasta el punto de cansar tanta apertura de capot...
Ah! El casi cameo de Harry Dean Stanton se lleva las palmas (en más de un sentido).
Una buena peli, no tan a la altura de su leyenda...

Comunista anticomunista

No hay comentarios.:
Soy Cuba, El Mamut Siberiano, de Vicente Ferraz

La sola historia de la filmación de Soy Cuba es apasionante. Imaginen a un equipo de filmación ruso arrivando a la Cuba de la naciente revolución. Imaginen ese choque, imaginen ese enorme malentendido. Conocer cómo se filmo esa película ya sería muy interesante; que esa película sea una obra maestra hace que la visión de Soy Cuba sea casí una obligación. Si no me quieren hacer caso, los entiendo, pero entonces hagánle caso a Scorsese y a Coppola que fueron los que sacaron esta experiencia demencial del olvido y la colocaron en su lugar. El gran Martin jamás recomendaría una película que solamente tuviera valor de museo. El documental muestra imágenes sorprendentes y planos secuencia jamás vistos (¿alguién puede recomendarme algún buen libro que explique su filosofía?). El director de Soy Cuba fue el ruso Mikhail Kalatozov, sus imágenes de la revolución son alucinadas. Pretendían ser realistas. A pesar de que el personaje del director solo aparece desde fuera, imáginamos los problemas de esa creación, la obsesión por ciertas ideas y lo duro que debe haber sido el fracaso. Soy cuba fue un fracaso tanto en Cuba como en Rusia y su destino era la desaparición. Es notable ver como mismo los protagonistas cubanos de esta película hablaban hasta con verguenza; decían, esa no era Cuba, esos no éramos nosotros. Y sin embargo las imágenes nos golpean por su belleza y delirio; nos parecen más venidos de la idea del cine que del cine mismo, como si ello no fuera posible de filmar por demasiado perfecto. El documental está bien hecho y es clásico. La rendición ante la elocuencia de las imágenes de Soy Cuba así lo exigía y lo agradecemos. Mucho para pensar sobre la producción y la recepción de una obra de arte; mucho que decir sobre los abatares del realismo también. No es menor virtud de este documental el descubrir también a la personas que allí participaron y a sus destinos azarosos.

Me tome un café y sin saberlo, como un antídoto, una casualidad o una broma del programador me ví una pelicula anticomunista (aunque con verguenza de serlo).

Spying Cam de Whang Cheol Mean

Película apuesta por un director atrevido (y coreano). Película a cuarto cerrado (pero que sabrá darnos el respiro a tiempo). Dos hombres en una habitación esperan y mientras esperan filman y mientras filman realizan puestas caseras de Dostoievski. No sabemos de qué se trata y entonces hay que tener paciencia. Por suerte hay comedia que contraresta la claustrofobia (nuestra y de los protagonistas). Película ensayo también porque se pregunta qué es filmar. No se asusten que esa pregunta no evita, como en muchos casos, filmar una película y contar una historia. En un momento los acontecimientos se precipitan y tememos nunca saber de qué se trató, tan a merced estamos del director y sus ganas de decirnos qué pasa. Sin embargo al final comprendemos que no hay cine que nos sea politico (ni que no sea de género).

Dj malhumor

miércoles, abril 13

Las chicas también necesitan cariño

No hay comentarios.:
Vibrator de Hiroki Ryuichi

Pequeña y hermosa pelìcula japonesa que venía con las mejores referencias y cumple. Su director esta siendo revisado y dan ganas de ver más. De todas maneras, como siempre, tratar de entrar no pensando en cambiar de filosofía, aunque tal vez, ver algo que se sabe pero nunca se vió, así tan de repente. O al revés, que siempre se vió y nunca se comprendió. Si escribo cosas un poco confusas es que al mismo tiempo que escribo escucho a boy olmi que habla con la chica de prensa como si le estuvieran haciendo un reportaje. Decía, road movie japonesa de camionero y chica con problemas de comunicación. Como la otra película de la que voy a contarles ahora lo que queda claro desde el inicio es que esta gente domina a la perfección los aspectos formales y aledaños; es decir, podemos interesarnos o no con la historia, podemos interesarnos o no con los personajes, pero en ningún momento dudamos de que son reales. Entre esos aspectos formales hay una serie de cambio de registros más que simpáticos, más que ocurrentes. Volvemos a sentir también la alegría del viaje, volvemos también a sentir lo hermoso que puede llegar a ser llegar a un puerto vacío temprano en la mañana. Todo va a sí, plácido, hasta que la chica comienza a recordar quién es, entonces vomita y entonces sucede una escena mágica. Entonces ella dice, se pregunta, ¿por qué este hombre me comprende de este modo? Y entonces yo comprendo, por primera vez en la vida, aunque lo sabía desde hace tiempo, que las chicas necesitan cariño.

PD: un punto dificil es que la música, a pesar de la incorporación un par de veces de magic bus de los who es, digamos, bastante mersa.


Nobody knows, Kore eda Hirokazu

También queríamos ver esta peli. Sucede que es del director de after life película que supo ganar la primera o segunda edición del festival. Nos había gustado mucho. Esta también. Es tan precisa como larga, es tan incisiva como demanda paciencia. Cuatro hermanos son abandonados por su madre. Sin embargo la madre es encantadora, sin embargo los hijos la aman, sin embargo es un abandono que no lo es del todo, porque abandonar es hacer más cosas que no estar. En fin. La película es la reconstrucción paciente de los días de esos chicos. La película está basada en un hecho real. Quisiéramos saber todo; no se nos informa de nada, más que esa realidad cotidiana y paciente. Lo que el director nos quería contar y nosotros lo escuchamos como se escucha un cuento.

Dj malhumor

Gansters del Mar Aral

No hay comentarios.:
Kazajstán es el país más lejano de cualquier mar exterior. Del colegio me quedaron los nombres del Mar Negro, el Mar Caspio y el Mar Aral. El mar Aral es un mar interior que está en Kazajstán y que daba un paisaje de agua entre tanta tierra. O casi porque está casí seco después de unas obras rusas. Meados por los perros. Este lugar era tan lejos que los rusos deportaban allí poblaciones enteras que les causaban problemas y hacían experimentos nucleares. Los kasajs cuando eran parte de la unión soviética no podían salir de Rusia. Ahora que se independizaron no pueden entrar, los rusos no los quieren. Un destino dificil. De este lugar indómito viene la película Esquizo. Todo lo anterior da curiosidad para verla. Y aparte está buena. Esquizo es un adolescente que tiene ese mote por ser medio, en fin, esquizo. Su padrastro es un ganster que lo lleva a trabajar con él. El defile de lugares desolados y caras increibles es grande. La película hecha en EE.UU. sería de género, en Kasajstán es ultrarealista. El director podría tranquilamente tomar un café con Trapero y hay algunas riñas dignas de amores perros pero con personas en lugar de canes. Me gustaría conocer Kasajstán. Prometo mandar fotos.
PD: kasaj, kasak, kasaco?
Dj malhumor.

Codeándose con los grandes.

No hay comentarios.:
Largó el asunto, los directores pasan y nosotros quedamos. Y todo más o menos parecido; muchas pelis, mucho para explorar, algunos cuantos números puestos y la siempre desconcertante noticia de que hay un montón de cosas que ni siquiera registramos. El mundo es ancho y largo.
El festival empieza hoy pero empezó ayer con una presentación que no nos interesaba mucho y cinco películas en el malba. Allí fuimos. Dejé la bicicleta en la puerta y me dirijí al bar del museo preparándome para la tarea de saldar de entrada mi situación con Chantal Ackerman. Me iba a salir caro. Les aviso muchachos que una medialuna en el bar del museo cuesta 1.50. Gracias. Pero todo muy coqueto. De Ackermann solo había visto dos films y siempre salí con la duda de si lo que acababa de ver no era una soberana boludez. Para hablar claro; pero siempre con la duda, lo que es interesante también. Como con algunas películas de Rohmer, no me digan que nunca les pasó. Bué, me volvió a pasar con:
Jour et Nuit. Al lado mio la señora Beatriz Sarlo reía beatífica. Problema de generación supongo. Entiendo también que es un bocadillo para el intelectual y el comentario. La identidad, lo femenino, el azar y la causa, el amor, la imágen. No falta nada. La película es bastante simpática, hay que reconocerlo, pero al margen de la risa de Sarlo un novio enfurecido gritaba a pesar de los intentos de la novia de que no levante la voz, !es un embole!
Y si, bastante embolante. Actuaciones monocordes que recuerdan cierto teatro, se puede dar la variante drama o la variante comedia; siempre sin matices. La dejé a Beatriz beatrífica y salí a tomar aire a la espera de:
Chantal Ackerman por Chantal Ackerman. Que se proyectó precedida por Saute ma ville del año 1968, miren sino soy valiente eh!.
Este corto es una de sus primeras cosas, allí una regordeta ackerman de tan solo 18 años se burla del ama de casa que ella hubiera debido ser. Tal vez, en otra época. Es bastante sorprendente ver a una cineasta con esa cara de mocosa. Debió ser sorprendente en la época, chantal niña prodigio. Esta bien también que se vea en un museo. Leo justamente que desde hace un tiempo ella se decica a presentar instalaciones. Creo que su cine programático encuentra allí su mejor medio. Me queda claro al ver este documental autoretrato. El susodicho consta de la lectura de parlamentos por chantal misma más un collage de muchos de sus films. Se ven allí escenas más que interesantes. Un triste casamiento judio; una simpática escena de baile de adolescentes que me recordaba la sueca Show me love con sus pequeñas, lesbianas, otras escenas kitsh de diverso orden. En fin, muy bien verlas paseándose por un museo de salas blanquísimas, paredes vacías y pantallas ultrachatas con las locuras de chantal. Otra cosita, la chantal de treinta años después es otra persona aún más interesante que la niña que fue y no es poco. Atrás mio en la sala el frank zappa argentino (ver encerrados investiga) murmuraba cosas que no llegué a comprender.

No fue todo amigos, me quedaba:
Hollywood North de Peter O´Brien. Simpática peli canadiense acerca de la filmación de una pelicula en lo que todos esperaban sería el comienzo de una nueva industria. Allí quedó el asunto. Basada en un hecho real, una ley de promoción de cine canadiense devolvía impuestos, así que algunos aventureros salieron a hacer negocio y para ello trataron de conseguir alguna estrella yankee que garantizara éxito, la película termina pareciendose mucho a Cecile B demented de John Waters. Es que la realidad puede ser más paródica que el cine mismo. Atención que los subtítulos son más vale indicativos que otra cosa. Todo por hoy (ayer)

Dj malhumor.

domingo, abril 10

¡No te vayas campeón!

No hay comentarios.:
Hoy en el Radar de Página 12 se hacen los cules y recomiendan cuatro comederos de la zona del Abasto donde ir a morfar en estos días de Bafici. Por suerte no descubrieron todavía nuestra parrilla de cabecera.

Chau Campeón
El vacío al plato de Chau Campeón es un poema tan emotivo y sentido que da pena darlo a conocer y avivar giles; claro que si uno está apurado porque le está por empezar la de Hiroki o la de John Waters, puede optar por el clásico vaciopán (choripanes y morcipanes también engalanan la hoja de cartulina que juega el papel de carta). Las papas fritas son palabras mayores, con la gota justa de aceite y una crocantez que ha ganado fama internacional, el año pasado el mísmísimo Jonathan Rosenbaum fue descubierto varias veces atiborrando de ketchup su "porción grande de fritas" (así llaman a la porción más grossa en este local).
Si lo tuyo son las ensaladas, Chau Campeón tiene una amplia variedad de opciones para ofrecer, lechuga, tomate, huevo, zanahoria y cebolla son algunas de ellas, ¡es increíble la cantidad de combinaciones que se pueden hacer!
Para beber hay varios elixires recomendables, pero nada mejor que "la jarra de tinto de la casa", perfecta compañía para la discusión cinéfila; si uno está solo puede optar por la "media jarra", ideal para degustar con Kings of Convenience o The Postal Service en el discman.
Eso sí: no hay que achicarse con los aderezos caseros, el chimichurri, la salsa criolla y el otro coso con ajíes de varios colores (¡que te lleva derecho al infierno!) son la envidia de las parrillas de la zona y una de las razones para volver con amigos. A no olvidarse de guardar un lugar para los postres, el flan es un canto a la vida y el queso y dulce (de batata) asegura un regreso al cine con las fuerzas renovadas.
Chau Campeón reina en secreto en las callecitas del Abasto, en parte gracias a la atención simpática y esmerada de un viejito canoso que nunca me acuerdo el nombre y no sé si seguirá estando el parrillero morocho fanático de River, un muchacho de tierra adentro que sabía entender como pocos el concepto "jugoso" cuando se trata de carne a la parrilla.
Lo mejor de todo: ¡en sus mesas nunca te vas a encontrar al Gordo Panozzo!!!
Hay delivery.

Chau Campeón está por Lavalle, a la vuelta del shopping, al lado de un edificio okupado.

Alberto Migraña
(Gourmet independiente)

sábado, abril 9

7° Festival de cine independiente de Buenos Aires

No hay comentarios.:
Ayer pasé por el Abasto a ver si ya estaba la grilla en papel porque el PDF que me bajé de bafici.gov.ar no lo puedo marcar, tachar ni dibujar (buenísimo, por primera vez en 7 años la web oficial del festival nos brinda la info con bastante tiempo para que uno decida bien que va a ver y cuando y de paso tener una idea de cuanto gastar), ya hay un puestito atendido con chicas y chicos de look moderno (cualquiera que parece menor de 20 años es moderno pa' mi) que amablemente informan que las grillas van a estar el lunes y que el catálogo sale $12 (el que pueda pagarlo y llevar dos kilos extras en la mochila que se lo compre, yo voy a hacer la investigación vía web porque ese libraco está escaneado y subido completito a la web, igual espero ansioso la primer edición del diario festivalero que siempre viene con todos los títulos resumidos, ese catálogo bonsai para pobres es mejor que nada), ya que estaba al pedo me dí una vuelta por el sector de venta de entradas, había una cola de 30 personas, billetitos y el flamante bodoque que este año es azul oscuro, en mano.
Hay otra vez una buena oferta de títulos, inabarcable para alguien que trabaja ocho horas al día, así que voy a ir directo a lo que dífícilmente me defraude, nada de perder tiempo con experimentaciones, cine político, cineastas de dudosa trayectoria, títulos que tarde o temprano se van a estrenar y esas que en el catálogo me hacen pensar que alguien me quiere vender un buzón (ya compré muchos en los festivales anteriores, gentileza de programadores que por suerte este año no están).
Estamos preparando nuestra lista de recomendados, en breve en estas pantallas.
Hasta lueguito

Alberto Migraña
(cinéfilo indie-gente)

martes, abril 5

No hay comentarios.:

comenzó la campaña gráfica 2005 de encerradosafuera, pronto nuestros afiches invadirán la vía pública, el luna park y las canchas de futbol, aquí nuestro artista exclusivo víctor nos brinda uno de sus sabios consejos