domingo, abril 25

Teorema

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Crimson Gold, Jafar Panahi.

Cine iraní sin niños ni película dentro de otra película o director que no puede filmar su película. Este Panahi es un gran director más allá de gustos y, como en su anterior El círculo, presenta una obra que avanza paso a paso, precisa y uno diría, de forma incontrovertible. Empieza donde termina y como los pasos de una demostración, desde el crimen consumado (asalto, asesinato y suicidio) a las causas y de allí al crimen nuevamente, vemos exponerse ante nosotros la construcción de esa demostración que es el crimen y muertes finales. Por una decisión que no es casual, solamente depués de unos minutos es que sabemos que el tiempo no va hacia el futuro sino que fue hacia el pasado, en una rueda que, como en El circulo, parece destinada a persistir en su transcurrir siempre igual a sí misma. El peligro del cine social (para ponerle un nombre odioso) es su esquematismo; eludido aquí por el talento del director y una actuación y construcción del personaje principal memorable. Encima es entretenida y con un aparte homenaje a La fiesta inolvidable, claro que en el cine de Panahi, en general, los perdedores no tienen finales felices.

santiago b.

Vanguardia austríaca programa 2

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ya sé que no tengo mucho derecho a patalear, ya sé que podría haber elegido hacer cualquier otra cosa y habría salido ganando, sé a que se refieren cuando abren bien la boca y cambian de tonito al pronunciar la palabra vanguardia
sé que no es lo mío
pero igual fuí al cosmos a ver "que estarán haciendo los vanguardistas austríacos, por ahí tienen buenas ideas"
pero no chamigo, es lo mismo que se vé en cualquier muestra de videoarte en cualquier evento modernoso de esos que suele auspiciar el gobierno de la ciudad, es más, es lo mismo que se viene viendo desde hace años en estos eventos, que fecha de vencimientos tienen las vanguardias?
que había en este programa? mucho sonido de radio mal sintonizada, mucha aspiradora raquítica, alguna especie de alarma nerviosa y gente que fué vaciando la sala de a poco, las imagenes: amebas de colores psicodélicos, cuadraditos cómo los cuadraditos que te muestra la pc cuando se desfragmenta, una chica que parecía que estaba saltando loopeada y sacada de cuadro y lineas rojas yendo y viniendo, para que se den una idea cada secuencia duraba dos segundos o tres y estaban repetidas durante un par de minutos, ocasionalmente cambiaba algo pero no mucho
lo mejor era el color flúo de la lucecita del reloj de una chica que estaba sentada adelante y la prendía para mirar la hora al final de cada "tema"
Alberto Migraña

Gram Theft Parsons

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La Colorada habló bien de esta peli y no me puedo aguantar. Quiero hablar mal. Muy mal.
Porque eso no se le hace a un muerto. Porque no se puede mancillar la memoria de un cantante, más allá de que sea uno de los responsables del country rock (Byrds, Flying Burrito Brothers, etc).
La película es mala, falta de ritmo y conexión con el espíritu de Parsons. Lo más grave: le falta onda.
Es un clásico producto yanqui en el sentido del guión, con todos sus puntos de giro cronometrados, su estructura a prueba de balas, etc. Pero desde la realización se desmorona abruptamente, haciéndote dudar acerca del tono: ¿uno se tiene que reir de eso? ¿era un chiste?
En resumen: falta de tono, de onda y sobre todo, de sentido del timing con la música.
Lo único que zafa es Johnny Knoxville. Y eso que no me gusta Jackass.
Desperdiciar los tres temas que usan de Parsons es lo peor que pudieron hacer. El amor duele fue uno de los pocos hits de este músico. Y parafrasearlo no me parece erróneo: esta película duele.

Wanda - Bárbara Loden

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A veces uno se olvida de lo bueno que era el cine yanqui en la década del ´70.
Wanda es un excelente ejemplo. Escrita, dirigida y protagonizada por una mujer -Loden, la ex de Elia Kazan-, cuenta la historia de una treintañera que se despierta un largo rato después que sus hijos, en el preciso día en que se divorcia, sin demasiado interés, dejando a toda su familia atrás. Allí comienza a vagar por ahí, hasta terminar enredándose con un ladrón que la maltrata y la inicia en el crimen.
Loden se maneja muy bien en la realización, con un increíble manejo de los tiempos internos, la creación de climas, etc. Es admirable, de a ratos. Una verdadera lástima que sea su única peli al mando.
Fallecida en 1980, la mina supo usar su atractivo rostro en un par de pelis más, pero dejó plasmada toda su creatividad en esta. ¡Y vaya que la tenía!
La peli está muy bien. De a ratos hacer recordar a Badlands, de Malick (que se filmaría dos años después).
Eso sí, la copia que trajeron acá es una verdadera vergüenza. Por un lado, la imágenes tá toda virada hacia un sospechoso tono rojizo, que calculo que no es muy cercano al original. Y por otro lado, tuve la desgracia de verla en el cine América, una triste experiencia. Sonaba como si la estuvieran transmitiendo desde el fondo del mar, con un regurgitar constante sobre los diálogos, el volúmen extremadamente alto, como siempre en la sala, y un frío de novela. Se padeció bastante, en resúmen. Pero valiò la pena.
Vaya que sí.



Andá sabiendo por las dudas

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Shara, Noemi Kawase

Shara es una película con altos y bajos de una buena directora que todavía busca su destino (a pesar de reconocidos logros) a la cual la inflada típica de nuestra prensa no le va a venir nada bien. Kawase ganó Cannes con solamente 29 años. Algunos con suerte la vimos en Mar del Plata ya hace unos años y sorprendió, entre otras cosas porque no se esperaba mucho. La expectativa creció y fué invitada a Bs. As. donde presentó su segundo film más una especie de documental sobre ella misma, que, bajo una timidez aparente, delato ciertos rasgos de exhibicionismo.
La directora ha tomado el camino de las historias familiares (en las dos últimas entregas, frente al minimalismo de Suzaku que la hacía tan encantadora, siempre melodramáticas) para revisar su propio pasado más el de Japón todo, representado por una sección más vale antropológica de exhibición de fiestas populares, situación calcada en las dos últimas películas. Dificil de ver por su lentitud (a veces justificada y a veces no, con una gran cantidad de primeros planos de florcitas varias) no es definitivamente una película que podés promocionar como la mejor o entre las mejores del festival, o sí, podés, claro que eso no es ni crítica ni pensamiento cinematográfico sino propaganda de los propios gustos.

Dj malhumor.

sábado, abril 24

Science fiction - Franz Müller

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Otra a la que le habíamos puesto demasiadas fichas. Igual no estuvo mal. Alemana, modernita, simpática. Un gordito medio gil, originario de la ex Alemania Oriental, y su cínico y occidental profesor del seminario de motivación quedan frente a frente tras un estúpido accidente que los deja en otra dimensión. El mundo ya no es el que conocen y tienen que aprender nuevas reglas; en particular, lo que sucede cada vez que se cierran las puertas. Más allá de la comedia y la ciencia ficción del título, subyace de manera bastante transparente el trasfondo histórico post caída del muro. El personaje buenudo lo dice claramente: "yo estoy acostumbrado a esto, vivía en un país y de repente un día me desperté y era otro, el lugar era igual pero la gente era completamente distinta". En fin, no está tan mal la metáfora. Buena, pero no imperdible.

Memories of murder - Bong Joon-ho

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El mejor policial del fest, y esto sin desmedro de Johnny To. Un policial serio, que no está ahí para hacernos reír o mostrar la destreza en el manejo del arma o de la cámara sino para enfrentarnos a los abismos de crímenes y policías. Y además, un policial infrecuente, ya que -tal como se anuncia en el texto que funciona como prólogo- el caso queda sin resolver. El eje entonces se desplaza desde el clásico "quién es el asesino" a la sociedad coreana toda, la dictadura de la década del ochenta como telón de fondo, la policía torturadora y represiva, el policía enfrentado al infierno de su tarea. Si fuera una serie de Sony, sería una más, pero resulta que así es una obra maestra. Los 129 minutos pasan volando. Ah, y no abusa de la truculencia, ni de la sangre, ni de los cadáveres, ni de los golpes bajos. Como los buenos policiales. Aprendan, yanquis.

Los muertos - Lisandro Alonso

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Confesión de partes: yo era parte de ellos. Tras tantos días de cine de 10 a 2, se hace difícil seguir una película tan morosa a las once de la mañana. Lo cual no habla mal de la película, sino de una servidora. Para quien haya visto el largo anterior de Alonso, La libertad, un mensaje que circulaba en los pasillos del Abasto: esta tiene más ritmo, es más fluida. En fin. Profundamente poética, imágenes y sonido de lo más interesantes (un pasaje a la selva), y tres o cuatro, no más pero fundamentales, escenas fuertísimas. Y sin ruido: simplemente aparecen. Como en la vida: sin música de suspenso que avise. En fin. Ojalá hubiera podido apreciarla mejor. Vayan con café.

Las horas del día

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Vamos a decirlo de entrada: una (otra) de las decepciones del fest. Esperábamos más. Pasa algo raro con esta película: si se toma una escena, cualquier escena, se piensa "ah, qué bueno". Cualquier escena promete; si la encontráramos haciendo zapping, la aguantaríamos un rato largo. Pero la totalidad no funciona. Seamos claros, el guión no funciona. O quizás sea porque nosotros escribimos y nos interesa que los guiones sigan existiendo. En fin, no importa. La película no es pésima; por el contrario, es más bien inquietante. Está muy bien actuada (el protagonista es el que en En la ciudad andaba con su alumnita de 16) y además es catalana, cosa que siempre está bien. Pero esperábamos mucho más. Quizás nuestro problema sean las expectativas.

Trois vie et une seule morte - Ra(o)úl Ruiz

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Bueno, me enteré tarde pero es mejor tarde que nunca: este Ruiz es realmente un grande. En el contexto del festival sus películas son, en términos de los Auténticos Decadentes, estrellas en la noche de la mediocridad. Y Trois vie es extraordinaria. Marcello Mastroianni juega cuatro personajes, o un personaje cuádruple, como se quiera ver; lo rodean un destacado elenco, que incluye a Marisa Paredes y a Chiara Mastroianni, viva imagen de su padre. El guión, tal como acostumbra Ruiz, no tiene fisuras; tres historias aparentemente independientes se entrelazan a la perfección. El tema, si es que se puede decir así, son las vueltas de la vida, de cómo el exceso de felicidad puede causar desdicha y el exceso de generosidad puede causar pobreza, en fin, esas cosas. También es una película acerca de los deseos profundos, esos que no se explican, que simplemente acechan la normalidad. En fin, una gran película, deliciosamente filmada al borde del Sena (y no empalaga).

Antídoto

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Primavera, verano, otoño, invierno; Kim Ki-duk

Kim Ki-duk por razón de sus películas anteriores (que pudimos disfrutar en otros festivales) y porque su nombre, dentro de todo lo coreano que puede ser, es bastante recordable, tiene bastante fans entre nosotros. Sádico, loco y melodramático, es como un Miike un poco más serio. La más recordable seguramente es La Isla y esa última que trata de un carnicero de perros (posta) que vive cerca de una base militar norteamericana. Su tema o preocupación podría ser la animalidad en nosotros, cosa que el coreano se toma casi siempre literalmente y de allí su sadismo. Todo con talento y originalidad, lo que a veces lo llevaba a cosas intragables para el público o, digamos, desparejas (en especial el melodramatismo o algúna que otra malipulación emocional). Le teníamos fe y entonces, como cuando venís siguiendo a un grupo que te gusta mucho, llega el disco de madurez y Kim Ki-duk se despacha con un poema zen, maduro, gracioso, entretenido y honesto, es decir, una gran peli.
Maestro de las locaciones aquí también el escenario es uno de los personajes (en las montañas un valle, en ese valle un pequeño lago, en el centro del pequeño lago un pequeño templo budista con un solo monje y su pequeño dicipulo). La naturaleza también lo es, que ya desde el título es el tema, por último, perdido en esa naturaleza el hombre. Como para que no te sientas claustrofóbico digo que cada estación no es la estación de una año particular, sino una de las edades del hombre así que el tema y la trama es extenso como la vida misma. Por el talento de este director esta no es una sorpresa del todo, pero bueno, no esperes animalitos muertos. El que sí hizo una película a lo Kim Ki-duk es el director de la siguiente película.

Symphaty for Mr. Vengeance, Park Chan-wook

Ya te venimos avisando que respetes a los amigos del supermercado coreano porque te pueden reventar la cabeza (con buenas películas o con un bate de béisbol). Todo el melodrama que produce locura y furia asesina y reacciones sádicas que no vimos en la anterior está aquí. El amigo Migraña se durmió pero en honor a la verdad debo decir que también se durmió en la de Kitano (lo siento Migraña, soy tu amigo pero soy más amigo de la verdad, ji ji). La violencia estalla como estalla la venganza en un film plagado de desgracias que producen una risa entre nerviosa y burlona. Hay que recordar que este es el cine comercial coreano, éxito de taquilla que lo es sin héroes (la moral del film es tan ambigua que nadie puede tomar ese lugar), sin concesiones a los dueños conservadores de los estudios (el público es siempre mucho más sacado y quiere más) y siempre repletos de ideas, cinematográficas y de las otras. Es verdad que la trama tarda en llegar (aunque deberíamos decir que desde hace un tiempo estos tipos vienen cambiando las reglas de cómo se construye una tal trama) y eso pesa cuando pasó la medianoche. Pero hacé el esfuerzo macho que vale la pena!

Dj Malhumor.

Materia gris

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Triple agente, Eric Rohmer

Rohmer tiene más de ochenta años y entonces lo que para nosotros es una película histórica es para él una película sobre su juventud o adolescencia. La historia comienza en el París de 1936, en esos convulsionados años anteriores al desencadenamiemto de la segunda guerra y, de una manera entre irónica y sarcástica, reflexiona sobre las causas de tal suceso (o al menos algunas). Particularmente la de la ceguera y estupidez francesa, cuyos intelectuales y políticos no entienden nada cuando creen entenderlo todo, y como siempre y por lo tanto, juegan el papel de la histérica, la que nunca se entera de nada ni sabe qué papel le toca. Estamos frente a una película política e inteligente, que siempre dice una cosa y muestra otra, como el triple agente en cuestión, un ruso blanco (es decir despreciable y enemigo de la revolución roja aunque allí reside una de las ambigüedades) y por tal, natural, mal le pese a todos y en especial a su esposa, amigo de los nazis. Por ser tal el punto de partida, la película se emparenta con otro ensayo histórico de Rohmer, El duque y la dama, donde también el punto de vista era el más recalcitrante, no el de los revolucionarios sino el de la nobleza. Las acción se lleva adelante por los diálogos (en una ensalada de idiomas, ya que al ruso y francés se le suman nuestra traducción al español más los subtítulos en alemán que lleva la copia exhibida) y lo principal está siempre fuera de campo; lo que transforma al film, supongo que para decepción de muchos, en una buena obra de teatro. Pero no hay que temerle a las palabras, lo que nos lleva a la siguiente película.

L´Hipothèse du tableau volé, Raúl Ruiz

Es una pena que el adjetivo intelectual, con razón, haya pasado a transformarse en una clase de insulto. La intelectualidad no es entre nosotros más que un sentido común de segundo grado, mucho más prepotente y tributario de coyunturas de poder que otra cosa. En general las películas intelectuales, amadas por nuestros intelectuales no pueden ser más que el ritual de algunos gestos, la confirmación de algún canon que funciona como código de entrada a algún grupete. Se entienden las reacciones viscerales entonces de huirle a todo lo que tenga ese tufillo. Pero bueno, esta es una película intelectual, verdadera. Un coleccionista de arte nos habla de una serie de cuadros (de un pintor academicista) y de una serie de hipótesis que justamente giran alrededor del vacío que produce el cuadro faltante del título. Las hipótesis que se siguen, propias de Borges, Perce o Calvino, nos hablan mucho menos de lo endeble del conocimiento en general (mucho más en estas materias) e incluso nos habla menos de la vanidad de los intelectuales, que de lo maravilloso, complejo y siempre en fuga de los acontecimientos del mundo. Porque se trata de un hombre que piensa y no tiene miedo a hacerlo, porque justamente piensa (y fantasea) y no finge hacerlo. La película, del año 1978, que debería haber hecho las delicias de Foucault, no lo sé, casi como una adaptación de Las Palabras y las Cosas que indaga el problema de la representación, la transposición de medios (de la literatura a la pimtura, de esta al cine) es también una película policial, porque claro, un cuadro es siempre un misterio y ya de hace tiempo se ha emparentado a los expertos de arte (en especial aquellos en descubrir falsificaciones) con los detectives (y en especial con uno de los detectives por antonomasia, Sherlock Holmes). Supongo que la película también podría haber sido descripta como un hombre que habla todo el tiempo paseándose entre tableau vivants (puesta en escena de los cuadros por personas a la manera de decorados teatrales, género mixto si lo hay) pero sería algo estrecho. Lo que nos lleva a la siguiente y sorprendente película.

Story, Dana Ranga

Un señor pelado, en primer plano, nos dice: Simplemente un día supe que era un space man, lo había sido siempre, pero un día lo supe...yo era cirujano y le dije a mi jefe, el año que viene no estaré porque me voy al espacio, entonces el me dijo...¿en qué puedo ayudarlo?
Este documental biográfico, que es también una introducción a la vida zen, es asombroso. También podría ser descripto como un señor que habla todo el tiempo, casi siempre en primer plano, con voz pausada y de maestro antiguo (digo de la antigüedad), con enfoques particulares a su pelada que brilla como una luna pero sería equivocado. Los libros también pueden ser descriptos como cagaditas de mosca sobre un fondo blanco. O las palabras como ruidos. Como cuando Story Musgrave (sí, el tipo se llama Story) dice que fue una decisión artística lo que lo sacó de la tierra, él no intentó conquistar el espacio, sino ser conquistado por él. Story, de chico, manejaba tractores en una granja, estudió física, matemática y medicina, fue astronauta, es poeta. Pero el film no es la historia de un freak, es la presencia de un filósofo, la unión de una vida material (la actividad corporal y la ciencia) y el asombro frente al mundo (el arte). Un descubrimiento lleno de felicidad y melancolía. La historia de un hombre valiente.

santiago b.

doble programa oriental de viernes a la noche

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no puede fallar, me dije, y cerré el pensamiento con una sonrisa macabra, en el medio un vacíopan de "chau campeón" y tenemos el programa perfecto
pero nada es perfecto, ya sabemos
todo puede fallar, ya sabemos
y lo mejor de la fría noche del viernes en el que le sacaron el respirador artificial al diego, fue el picante que acompañó a mi sanguche de vacío en la calle lavalle
(recomiendo este sanguche para zafar de una dosis del kurosawa de ahora, que mejor que llenar el vacío que dejan sus pelis con una porción de carne de auténtica vaca argentina)
bueno, basta de cháchara, vamos a los bifes

Intimate confessions of a chinese courtesan - Quentin Tarantino
no vi muchas de karate en mi vida, siempre me parecieron aburridas y no me bancaba que los guiones fueran descaradamente absurdos y los diálogos desfachatadamente ridículos, pero ahora que en los festivales me disfrazo de chico cul y tengo los anteojitos con marco negro y las camisitas de feria americana (que anoche no la pude mostrar porque estaba fresco, oh) me permito disfrutar como un babasónico (o bobosónico) de este género, las de karate, mirá vos lo que termino viendo, una de hong kong hecha en los 70, subtitulada en tres idiomas a la vez (alguna clase de chino, inglish y el nuestro)
la peli estuvo bien, pero a esta altura después de tanta parodia es un gag mas de "todo por dos pesos", es mucho más divertida contarla que verla (especialmente si la contás en una reunión con todos tus amigos descraneados)
les dejo el replay de la mejor escena: la pobre chica está en un calabozo y entra el sirviente mudo de la madama lesbiana (luci liu?), ya ni me acuerdo que le dice o hace ella (tampoco importa) y el pibe recupera el habla y cuenta su historia, que tenía una novia como ella, que la violaron y mataron y que desde ese momento dejó de hablar y se volvió cínico, le dice que ella le gusta mucho, pero que no la ama porque no la conoce...
en la escena siguiente lo matan al huevón

Sympathy for Mr. Vengeance - Park Chan-wook
quería dormir pero tenía al lado a Dj Malhumor que me pegaba codazos cuando empezaba a roncar, "te salvé del papelón" me dijo, no se dio cuenta de que yo estaba escribiendo mi crítica en voz alta

bueno amigos, me voy a ver la de takashi miike y después a comer a un restorán chino-peruano, estemos en contacto, che
Alberto Migraña

viernes, abril 23

El apocalipsis es hoy.

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Darkness Bride, Wai Lun Kwok

Varias películas en una. Cuento folklórico que vira a menoige a trois con chinos del campo y termina en historia de fantasmas. Y encima es más que eso porque es una película inteligente y sagaz. Dividida en dos partes por las locaciones, primera mitad en algún lugar perdido en el campo (más parecido al desierto y a la nada que a nuestra pampa) segunda mitad en la ciudad. Como sospechamos al ver All tomorrow´s parties (para que tenga ganas, la comentamos hace un par de días) la China real puede ser más apocalíptica que cualquier fantasía (mucho más sí es de medio pelo como en All tomorrow´s parties). En un pueblo que intuímos pobrísimo lo único que se puede traficar son novias, tanto para vivos como para muertos. Ese es el disparador de una historia que se dispersa en muchas otras; la China vieja y nueva, las mujeres como lo que circula, el pasado que acecha. La fotografía es excelente y mejor aún sí se usa para contar una historia. Gracias chino.

santiago b

Grimm - Alex van Warmerdam

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Ay las coproducciones. Esta es holando española, y da como resultado a dos hermanitos bilingües que pasan de Holanda a España en moto, sin papeles y aparentemente en cuestión de horas. Bien, vemos que el realismo no es el punto en este film. Ya lo dice el título: por los hermanos Grimm, esos de Hansel y Gretel, que por supuesto es el punto de partida del film. Que después delira, no hay problema, eso es exactamente lo que los holandeses piensan de España: que allí cualquier cosa puede suceder, hace calor, siempre brilla el sol, la gente se mata por nada y todavía hay pueblos fantasmas para tener duelos de western (probablemente en Almería, la zona retratada en Ochocientas balas). Ah, los hermanitos, incestuosos ellos. Pero no como los de Bertolucci: estos apenas amenazan. En fin, simpática, podemos decir. Y hasta ahí.

Me lo merezco.

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Tangos Robados, Eduardo de Gregorio.

Otro desconocido director argentino en el exilio. Y ahora se por qué lo de desconocido. El señor adaptó a Borges para Bertolucci en La Estrategia de la Araña, trabajó con Rivette y filma de vez en cuando. Según Jonhanatan Rosembaum (el director del festival entre las sombras) está es su última y mejor película. Mitad, en español mitad en francés, la película parecería juntar lo peor de los tres países (Francia, España y Argentina). LLena de buenas intensiones y amor por el cine, sólo a un americano podía gustarle, es decir, alguién que no puede darse cuenta la cara y voz de salame que tiene el protagonista argentino. De Gregorio hace mucho que vive en Francia como para haberse enterado que el cine de Argentina afortunadamente cambió y entonces hizo una película como la de antes, llena de gente tierna y que habla mucho. Está crítica es en directo, directo, es más, todavía no terminó la proyección y yo aquí escribiendo.

Dj malhumor.

Serva e padrona - Tonino Bernardi

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Hay que decir que el director se veía simpatiquísimo. Pero, lamentablemente y con todo el dolor del alma, la película no califica. Demasiado experimental, demasiado sin guión, demasiado cámara en mano y mal iluminada. Es decir, no por independientes hay que ser tan poco profesionales, ¿o sí? La vi durante cuarenta y cinco minutos y no logré entender, salvo por momentos ínfimos, dónde estaban la serva, la padrona y la lotta de clases que el simpático de Tonino había prometido. Quizás fuera incomprensión o falta de predisposición de mi parte; quizás no fui lo suficientemente paciente. Es que empezaba La face cacheé de la lune. Todavía me estoy felicitando.

Depuis que Otar est parti - Julie Bertucelli

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Para empezar, quiero avisar que esta peli no se llama Cartas de mamá, no sé por qué le pusieron ese nombre. Y tampoco está inspirado en el cuento Cartas de mamá de Cortázar, así como Tres tristes tigres, la de Ruiz, no está inspirada en la novela homónima y fabulosa de Cabrera Infante. Se parece más a otro cuento de Cortázar, La salud de los enfermos; aunque ni siquiera tanto. No está mal. Tampoco está tan bien. Interesante. Más allá de la anécdota, bastante pegada a La salud de los enfermos como decíamos, está bien actuada y, como tantas otras pelis del fest, nos lleva a pasear: esta vez a Georgia, ex URSS. El trasfondo muestra la situación de los georgianos de clase media, donde los médicos van de indocumentados a París a trabajar en la construcción y los que se quedan deben vender libros, muebles y tesoros de la abuela para poder vivir. Cualquiera que haya ido a Parque Centenario o Parque Lezama un fin de semana de los últimos años sabe de qué hablo. Una película emotiva, pero que a esta altura del festival no pincha ni corta.

Far side of the moon, o La face cacheé de la lune, de Robert Lepage

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Recomendada cinco estrellas. Imperdible. ¡Es excelente y no es mainstream! Ya han hecho la comparación famosa de "el Nanni Moretti canadiense", y no está tan mal. También me hizo acordar un poquito a Doris Dorrie (pero mejor), por eso de la fantasía más real que la realidad. Maravillosa. Neurótico amigo, muy inteligente, muy tierno, con mucho sentido del humor. Y su hermano, su madre recién muerta, su pececito dorado, las piedras que coleccionaba de chico, los astronautas, la luna, el pasado y el presente, todo conectado por vínculos sutiles que la cámara reproduce con liviandad. La primera película en la que no dan ganas de bostezar ni de pedir pastillas ni de mirar la hora ni siquiera para saber si nos estamos perdiendo la película que viene, porque no importa la película que viene, sólo importa esta y que por favor no se termine. Más que súper hiper muy recomendada.

Según como se mire

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Good morning, Night; Marco Bellochio

Bellocchio es un viejo director italiano al que a pesar de tener una extensa trayectoria seguiremos llamando el de El diablo en el cuerpo. Director con preocupaciones políticas (aquella es una película política aunque los morbosos solamente recuerden una famosa fellatio) su estilo lo deja a mitad de camino entre el viejo cine italiano y, el maintream o director que sabe lo que hace. Aquí la anécdota (suena feo llamarla así) es el secuestro y asesinato de Aldo Moro por las brigadas rojas. El tema daba o para el alegato monumental o para algún acercamiento minimalista donde los hechos hablan por sí solos (cuatro dementes o quijotes, en el sentido de enfermo por los libros, que piensan encarar solos y a su cuenta la revolución). Ni uno ni lo otro. Se deja ver muy bien y eso no es menor rodeado de tanta cosa que no se estrena no por independiente sino porque simplemente no tiene la calidad mínima. Ideal para lavar conciencias y para sentirse comprometido.

Dj malhumor.

jueves, abril 22

Sinfonía de licuadora y máquina de picar carne.

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Vanguardia Austríaca, programa 2.

Segundo programa acerca de la vanguardia austríaca. El primero (que no vimos, no hay tiempo pa´ todo che) trataba de los clásicos, aquí vienen los modernos. Se trata de 12 cortos (¿videos clips?¿video-instalaciones sin instalación?) que son un poco de todo esto y que son principalmente obras en colaboración entre músicos electrónicos y video/cineastas. Sin supremacía de uno sobre el otro. Sí lo de electrónica es un poco vago digamos que se trata mayormente de avant-noise, mucho rudio va, pero de ese que nos gusta. Dos artistas que venimos siguiendo son los platos fuertes, Fennesz y Fleischman b. Justamente estos dos andan en direcciones casi opuestas, el primero en la experimentación autechre/oval (estoy apurado) el segundo en una electrónica feliz y melodiosa que provoca adicción y en el corto que musicalizaba aquí hasta arrancó aplausos. Lo interesante es que se trata de vanguardia y se trata de musica popular al mismo tiempo, es que en Austria como comentó el curador (un austríaco de anteojitos algo tartamudo y simpático) ya no se diferencian uno del otro. En ese sentido uno de los cortos mostraba el lento avanzar de un tren ritmo de una música propia de licuadoras. La resonancia a la primera película de la historia del cine estaba allí a la vista, lo que no tanto es que el cine mismo, como vemos ahora, nació como vanguardia.

santiago b.

Tapado.

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Far side of the moon, Robert Lapage.

Joyita de último minuto cuando estábamos en la altura del festival en que sólo vamos a lo seguro. Nani Moretti es a esta altura un género, tal es así que incluso nombra a quienes lo precediron como Woody Allen; teníamos al Moretti israelí (Avi Mogravi) y ahora tenemos al quebecúa (provincia francoparlante del Canadá). Lo parecido es la fuerte personalidad, el humor repleto de autoironía, el cine como ensayo. De ahí para acá todo distinto. Hay una mirada personal pero desde el vamos es doble, Robert Lapage (actor, director, cineasta) es aquí él y su hermano. El hermano es el gay, la fijación materna es suya; suya es también la fijación con el espacio, pero su hermano es el dueño del tiempo. Sí estos directores son casi por definición enfermos imaginarios, el Lapage principal tiene un tumor (porque hay algo no ficcionable alrededor de esto). Sí en todos los directores que hacen de sí su personaje hay una autoparodía para transformar esa debilidad en fortaleza, aquí encontramos del principio al final una profunda melancolía; una tristeza de la inteligencia que una vez que ve, ya no puede hacer que no ha visto. Pequeña pero filmada con firmeza, graciosa y amarga al mismo tiempo en su plácido transcurrir, siempre inteligente (pero sin buscar el chiste, inteligente, sin más). Hallazgo.

santiago b.

B-Happy - Gonzalo Justiniano

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Otra de esas pelis (y van...) que promete mucho, arranca muy bien, y derrapa estrepitosamente a los cuarenta minutos. Una adolescente de pueblo, rebelde ella, que asegura no tener miedo a nada. Su pueblo, su padre ladrón, la escuela, el chico que le gusta, el dueño del almacén que se acuesta con la madre de ella. Hasta ahí bastante bien, hasta que empieza la tragedia: en diez minutos la piba queda huérfana y sola en el mundo, el patrón se la quiere voltear, y ella arranca para la gran ciudad. Ahí aterriza derechito ¡en el reformatorio! Y no les contamos más: simplemente, que tenemos todos los ingredientes para el dramón. Si la hubieran actuado un poco peor, daba para Canal 9 un sábado a la noche. Rescatemos, claro, el buen espíritu de la chica, que nos ahorra el final trágico y vuelve al optimismo.

Les triplettes de Belleville

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¿Cómo puede ser que todavía no dijimos nada de esta maravilla? Una película para ser feliz. Así nomás. Feliz como sólo se es feliz con los dibujos animados, inventados para felicidad de los niños. Los niños pueden ver esta peli y ser ampliamente felices y también podemos verla todos los demás y sentirnos niños gracias a ella. Una anécdota mínima pero eficiente (el secuestro de un ciclista en pleno tour de france, y la búsqueda implacable de sus fieles madre y perro) funciona para desplegar toda una serie infinita de maravillosidades animadas. La peli no tiene diálogos: tiene música, y sobre todo dibujos, dibujos fabulosos, de esos que si fueran pósters podríamos ponerlos al lado de la cama y pasar toda la infancia mirándolos. Enormes ciudades monocromáticas con rascacielos gigantescos, barcos tan grandes como los rascacielos, el paso del tiempo sobre las ciudades cambiándoles el color. Nunca podríamos cansarnos de mirar eso, y además la película no da tiempo: los personajes siempre están moviéndose, en bicicleta o usando los más insospechados medios de transporte. Ah, y además están las mismísimas triplettes: tres deliciosas ancianas que hacen jazz con cualquier elemento. En fin, me parece que hablar de esto no sirve. Entonces: véanla, y si quieren quedar bien con alguien, inviten.

Good morning, night - Marco Bellochio + Bologna Centrale

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Un tandem involuntario que salió muy bien. La primera es otra de esas pelis que podría estar fuera del festival, lo cual no es un insulto, al contrario. La historia del secuestro de Aldo Moro, el líder de la democracia cristiana italiana, que revolucionó a toda la sociedad tana en 1978. Pero contada desde los secuestradores, más bien desde una de ellos, con sus dudas y pesares, con sus recuerdos de la lucha antifascista, con sus medios de estar convirtiéndose en aquello que más odia. En fin, peli redondita, bastante bien resuelta. La otra, Bologna Centrale, es uno de esos especímenes inclasificables que si no se viera en el festival no se vería en ningún lado: una suerte de docu íntimo, una combinación de fotos y vistas de una Bologna desierta junto con el audio del relato del viaje iniciático del director, francés él, que conoció al mismo tiempo la ciudad, el amor, el sexo y el clima de agitación de la época. Casualmente, la época era precisamente la del secuestro de Aldo Moro, y así este mediometraje funciona perfectamente como lado B de Good morning night. La persectiva del secuestrador se combina con la perspectiva íntima del visitante que no puede dejar de notar cómo muta la ciudad, sus habitantes, su forma de vivir. Interesante.

Todo en una noche.

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P.T.U., Johnny To.

Lo digo corto y al principio: empieza bárbaro, te aburris un poco en el medio y te vas contento de todo el final y de que Jonnhy to (La Misión, Fulltime Killer, para nombrar dos top de las varias que ya se pasaron) sigue ahí. Son pocos los directores hoy día que te pueden prometer diversión, inteligencia y sorpresa todo junto. Scorsese y Coppola están casi retirados, Tarantino tarda seis años en hacer una pelí, John Woo anda medio desorientado, en fin. To, Miike, los coreanos. Entonces sí Jonhny nos falla, ¿cómo hacemos para bancarnos todo un festival minado de experimentos y principiantes? Policial coral (uhm). Noche de enredos, tiros y torturas por culpa de un policia torpe que pierde el arma (homenaje tal vez a un temprano film de Kurosawa Akira). Cine de personajes y policial sin héroe ni villano. Hay quizá menos acción y más risa de la que se espera, pero To avanza a paso firme y sin titubeos. Se agradece.

Santiago b.

¿Y la fiesta?

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All tomorrow´s parties, Yu Lik-wai

Atajate esta: fantasía preciosista retro kisch futurista china apocalíptica con toques orwellianos normalmente clase b y música oriental y orientalista estilo El Ultimo Emperador de Bertolucci y nombre de una canción de los Velvet Underground. ¿Me pueden decir que hace una película genero (todo lo anterior) en la competencia? La película está dirigida por un antiguo director de fotografía por lo cual el rubro es lo más interesante aunque se vuelve la sola justificación del film. Particularmente me gustaron algunos planos abiertos no porque me hicieron interesar en la historia (no la hay) o eran simplemente bellos, sino porque me hizo soñar otra vez con China, un lugar que imagino tan increible que deja a las fantasías (como las de este film) cortas. El sub-género mundo futuro totalitario apocalíptico es caro al cine clase b (alcanzan con un par de autos viejos, un basural, ropa de feria americana y el albergue Warnes); que su estilización lo haga apararecer como una gran y novedosa crítica al comunismo es un sapo que se comieron los programadores, tan estilizados ellos. Ah, ¿el nombre de la película? Nada que ver con Lou Reed.

Dj malhumor.

miércoles, abril 21

Ay los franceses!

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L`Histoire de Marie et Julien, Jacques Rivette.

Historia de amor en clave de thriller que se transforma en una de fantasmas y por un pelito no termina en un dramon. Como dura 150 minutos hay tiempo para todo (te las voy tirando despacito), pero hay que confesar que se soporta bastante bien. Los fantasmas japoneses penan, dan miedo y tienen vidas más solitarias que cuando vivos (en verdad ya llevaban vidas de fantasmas); en cambio los fantasmas franceses son minas que están re buenas (chiste); en este caso Emmanuelle Beart quien no podrá descansar en paz hasta tener un orgasmo satisfactorio (muy buen argumento para una porno), como es de suponer, cuando lo encuentra no quiere volver a morirse. Terminando con los chistes, visto el miedo que ponen los nipones uno estaría tentado a pensar que algún terror verdadero se agita por allí; visto más o menos el sopor y la estilización de los fantasmas franceses uno estaría más inclinado a pensar en una sublimación de la histeria. Todo filmado con gusto y mucho mucho oficio. En el pasillo, unos pibes muchos más malos que yo, decían: ghost y sexto sentido con toques de intelectualidad. Che más respeto, se trata de uno de los creadores de la Nouvelle Vogue!. En fin, acercarse con este cartel: peligro, esta película puede estar inflada.

Dj malhumor.

Ce jour-là - Raúl Ruiz

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Disculpen si últimamente ando medio en contra del espíritu festivalero, pero, por favor, ¡cómo se nota cuando una peli está hecha por un profesional! Es el caso de esta maravillosa comedia-noir-trascendental que transcurre en un futuro próximo y mezcla ángeles con asesinos con locos con intereses económicos con dios. En base a un guión excelente, bien actuada, bien dirigida, con hermosa fotografía, funciona como un mecanismo de relojería y así y todo mantiene su riesgo, nunca es previsible, y se siente francesa y, si la miramos con cuidado y amor por los detalles, también algo chilena. Un montón de muertos y sin embargo, no hay sadismo, no hay tortura, no hay personaje más simpático que el asesino. La peli se estructura quizás en la vieja paradoja acerca de la locura: ¿acaso los locos no son los más cuerdos de todo? Algo de eso. En fin, véanla. Y si no esperen que seguramente se estrenará en breve.

Una de las que inflamos nosotros màs pequeña apostilla.

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Ford Transit, Hany Abu-Assad.

Habría que ser demasiado inexperto e insensible para no hacer una buena película con solamente poner la camara en una de las ford/minibus que llevan y traen gente en los territorios palestinos ocupados (que se yo, ser por ejemplo el director de el mar y la torta). Pero además estamos en presencia de un director y de los buenos. Por lo que muestra, por lo que pregunta, por lo que calla, por la música que elige (desde música de western hasta hip hop militante a través de oriente por supuesto). Y aunque hay cine e incluso cinefilia en medio de este caos, la verdad se presenta y aplasta. Los personajes son increibles (empezando por el conductor de la camioneta) y los puntos de vistas múltiples y a pesar de todo (o sobre todo) el humor no se pierde. Thriller, comedia, bélica, drama, todos los géneros en una película que es un documental, qué más querés.

Dj malhumor

PD: otra cosa que nada que ver. En el colectivo charlo con el de al lado (ante mi estudio frenético de la grilla para meter todas las pelis que pueda en un día), me dice, a los que no son del mundo del cine les da un poco de rechazo ese mundillo cerrado, parece que al final el festival es solamente para ellos, le digo: y sí, a mi también me da asquito verlos a todos juntos con sus zapatitos nuevos y tan arregladitos ¿Estoy enfermo doctor?¿soy un asocial?

Gram Theft Parsons

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Película simpática, yanqui hasta la médula, bien hechita, acerca de un tierno y desopilante hecho real, si se lo mira del lado correcto (como la peli): el robo del cadáver del músico country-folk Gram Parsons por su amigo y manager Phil Kaufman, dispuesto a llegar hasta las últimas consecuencias para cumplir con la última voluntad de su amigo. Que era, precisamente, ser "liberado" en Joshua Tree, el famoso desierto californiano. Y allá va el bueno de Phil a pelearse con autoridades y ex novias, a esquivar a la justicia y la policía para cumplir su promesa. En el camino se cruza con hippie prototípico -estamos circa 1970- que se convierte involuntariamente en su compañero de aventuras. Hasta ahí la anécdota. Sin ser nada extraordinario, la peli funciona, es divertida, tiene excelente música (la del muertito, claro) y refleja un cierto espíritu setentista, y no tanto: amistad ante todo. Disculpen que suene a lo Cris Morena, como diría Dj Malhumor.

Una de dos - Alejo Taube

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Señores, nuevo cine argentino en estado puro, y con nuevo cine argentino quiero decir realismo social, buenos actores ya elegidos previamente por Stagnaro y Caetano, trasfondo histórico más que concreto, finales de ambiguos para infelices y una moderada discursividad. Una de dos se abre con las imágenes televisadas de los saqueos de diciembre de 2001. En ese contexto, cuenta la historia de un pibe de pueblo -cerca de Luján- que anda en auto nuevo y paga las cervezas de todo el barrio gracias a ciertos negocios turbios que tiene en "la capi", representado por el rubiecito de Okupas, que no sé si no viene también de Pizza birra faso. Mientras se pinta el pueblo, la mishiadura, el deterioro de las relaciones sociales (el que vende carne no le fía al del súper, el del súper no le fía a los vecinos de siempre, los vecinos de siempre dejan de pagar, etc), y algo de romance con la siempre precisa Jimena Anganuzzi (la novia embarazada de Tumberos). Mucha llanta quemada, muchas palabras localistas, mucha discusión acerca de si vale la pena cambiar las cosas y un desenlace siempre a punto. La peli no es mala, pero tampoco es nada nuevo.

Gore para sensibilidades sensibles o Miike para padres.

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Ce jour là, Raoul Ruiz.

Es un poco exagerada (un poquito nomás) la comparación pero aprovecho para recordarles que no se pierdan Gozu del demente Takeshi Miike. Más vale una comedia negra con final negrísimo, género refinado que aceptan aquellos que le temen un poco a la sangre. Aquí tenemos unos cuantos cadáveres y cada nuevo asesinato nos produce risa lo que nos ayuda a soportar de qué se trata todo. Este Ruiz (que como Miike es capaz de hacer cinco o más películas en un año) es un caso serio, porque cuando todo bien podría haber virado hacia la farsa su inteligencia y sensibilidad lo desvia hacia donde más duele, incluso más que los martillazos en la cabeza que reciben algunos personajes. Ver muchas pelis junta te permite comparar, Ruiz logra lo que otros directores en algún punto afines (como el Chabrol de Gracias por el Chocolate y Las Flores del mal o la Chantal Ackerman de este festival) no logran, ser agudos en la simpleza sin ser pavos. No es menor tampoco que Ruiz sea alguién que ame tanto la literatura como el cine, es decir, nunca una va en contra del otro. Pero eso lo dejamos para otro día.

Santiago b.

En la ciudad - Cesc Gay

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Qué terrible descubrir que generalmente, las películas más cumplidoras son las que tienen más posibilidades de estrenarse; mainstream, diría un amigo que considera mainstream todo lo que es conocido por alguien que hable español o inglés. En fin. En la ciudad, el nuevo opus del director de Krampack, es una obra cumplidora, que fuera del festival nos hubiera dado que hablar -va a dar que hablar, creo- un ratito. Si pensamos en el quilombo que se armó con El último beso, esa italiana que fue avanzando como en espiral, de semana en semana, y de repente todos nuestros amigos estaban hablando de ella cuando de entrada la habíamos considerado una comedieta romántica más, bueno, probablemente esta pegará más fuerte. Esta no es una comedia, eso sí. Es más bien amarga. Esquema simple, conocido: dos parejas de amigos, más una amiga soltera y un amigo separado, treintañeros ellos, y sus aventuras o más bien desventuras amorosas. No les va muy bien a estos chicos. Lo imaginable: incomunicación, soledad, familias (levemente) disfuncionales, y el sobrevuelo constante de los deseos que todos los días se frustran para mantener el statu quo. La peli tiene un trabajo interesante con las miradas, con la expresividad mínima que va revelando todo lo que los personajes barren bajo la alfombra. La peli deja un gusto bastante amargo, pero vale la pena.

Sinon j'etouffe - Nicolas Azalbert

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Comunicado urgente: warning. El catálogo decía que Nicolas Azalbert es un francés que llegó a Buenos Aires como enviado de Cahiers de Cinema y se quedó. También decía que en la película aspiraba a revivir la nouvelle vague en la reina del plata. En fin. Cómo decirlo sin que suene intolerante: vamos a decir que la peli es muuuuuuy experimental. Uno hace sus esfuerzos, estamos entrenados en acostarnos a las tres con los ojos calcinados y poner el despertador a las ocho para agarrar la primera función de la mañana. Estamos entrenados para resistir los bostezos, pero treinta segundos con la pantalla en negro es más de lo que podemos tolerar. ¿Por qué nos prueban de esa manera? Fundidos a negro, u ocasionalmente a blanco, lentos, en realida una especie de disolución del grano grueso en gruesísimo. Y cuando no hay eso sino imágenes, son por lo menos tres imágenes superpuestas. Por ejemplo: primer plano de ella, el mar yendo y viniendo y el contorno de la ciudad. O plano medio de ella, el subte corriendo y una esquina. Todo así. Sin diálogos por supuesto. Ocasionalmente, textos escritos en pantalla, en francés, con un amable subtítulo en inglés por si alguno no entendió. En castellano no, por supuesto. Ocasionalmente, canciones en francés, como la del final, que parecía tener mucho sentido superpuesta a tres imágenes superpuestas. En fin. Poético, dicen. Están advertidos.

Jarmusch meet Garcia Marquez

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Sara Driver: Sleepwalk/When pigs fly.
Cuando empezaron los tìtulos de When pigs fly me acomodé y pensé, se viene la mejor pelì del festival. Un travelling muy hermoso de una ciudad media ruinosa y un puerto aún más. Intuímos que es Nueva York, pero diferente de como la conocemos. La canción que la acompaña también es excelente, en los títulos de apertura descubrimos que es Joe Strummer (The Clash, gracias). Sigo pensando que esa canción junto con la de cierre son de lo mejor, pero la pelí por desgracia terminó siendo tan sólo simpática. Tenemos un músico de jazz perdedor adorable, tenemos a su perro también adorable, tenemos una puta de buen corazón y ¿qué pasó? Que la directora eligió el camino equivocado, le puso fantasmas, que más que fantasmas parecen dos brujitas estilo hechizada. Especie de realismo mágico que en verdad es un atajo a un camino que podría haber seguido muy bien. Tal vez era una elección posible en ese momento, en todo caso a veces se producen experimentos involuntarios. Por ejemplo, ¿cuál de estas dos opciones tiene futuro? El marido de la directora, Jim Jarmusch, hombre de cámara en la otra pelí que creo que fué la primera (fijensé en el catálogo que me lo olvidé) eligió ese otro camino, el de confiar en sus personajes y sus historias. Las brujitas vienen a desenmascarar un crimen, Sara, sí te hubieras el tomado el trabajo de contratar un detective o convertir al músico perdido en uno, hubiera sido un film extraordinario (como dice el catálogo siempre listo a la hora de vender salchichas). No lo es, es una película simpática y tierna.
Como la otra pelí, Sleepwalk. Otra vez lo extraordinario entorpece a unos personajes muy bien plantados. Un New York a lo Paul Auster donde de pronto se escuchan campanitas chinas (se trata de una traductora de chino que traduce un cuento infantil). No da, la atmosfera de cuento infantil convierte el film en eso, infantil, simpático a lo sumo. Son films lindos pero imperfectos, por eso otros directores de su generación (como su marido por ejemplo) están donde están y ella hace diez años que no filma. Esta super bien que veamos sus pelis, Sara Driver parece una persona sensible e inteligente y sus pelis después de todo son llevaderas y cortas, pero no hay necesidad de inflar a cada director que se presenta.

Dj malhumor.

martes, abril 20

Uhmm

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Warming By the Devil´s Fire, Charles Burnett.

Otra entrega de la serie producida por Scorsese sobre la historia del Blues. Las dos anteriores, la de Wenders y la del mismo Scorsese me parecen imperdibles y con esa idea entre a la sala, incluso esperando algo incendiario por tratarse del único director negro de los convocados sumado a la palabrita devil del título (el que queda es Clint Eastwood). Expectativas que me hacen mal! Me encuentro que al tipo se le da por la evocación romanticona y la mitad del documental es una ficcionalización de aquellos años cincuenta en Misissipi (¿dónde coño van las eses?). Me mostrás un negrito que mira con cara de pavo y pone cara de imaginar cuando tenés todo el cine para mostrarme macho! No quiero imaginar en un documental, quiero que me muestres, quiero blues explícito, quiero mucha gente bailando, quiero pornografia del blues macho. Por suerte hay un poco de archivo y hay blues y entonces nos conformamos. ¿Y el diablo? Apenas la sugerencia de tetas y culos. Bastante poco.

Dj malhumor.

Un cacho de cultura.

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Heinz Emigholz, Miscellanea I y II
The Basis of Make-Up I y II
Maillarts Bruecken
Sullivans Banken


Seguramente el lugar apropiado de proyección del trabajo de este alemán tan meticuloso que tenía un aire de asesino serial (estaba presentando sus films y se lo veía en alguna que otra proyección) hubiera sido el Malba y no el Hoyts. Es decir más vale un museo que un shopping. Dificilmente salga conforme del cine quie haya ido a ver una película. Pero sí el desprevenido se relajó, habrá podido entrar en un pequeño transe con alguno de los films (Maillarts Bruecken por ejemplo) deleitarse en otros (ambas Miscellaneas) o incluso facinarse (The Basis of Make-Up). Como los protagonistas de Kalifornia (¿se acuerdan?) imaginamos a este tipo recorriendo EE.UU en un descapotable; en este caso no para fotografiar escenas de crímenes (otros crímenes acaso) sino para tomar planos fijos de los bancos hechos por el arquitecto del título. Conté quién es el asesino. Una sucesión de planos fijos, de ello se trata. Parece muy fácil pero yo no les aconsejaría que lo hagan en sus casas. No se si hicieron la experiencia de ver pintura abstracta hecha por un amateur; es así querido qué le vas a hacer, unas figuras geométricas hechas por unos es arte, hechas por otro es cualquier otra cosa. Entiendo también que aquí sucede lo que Brian Eno dice de cierto arte; que participa de la fe, sí lo miras con un ojo es música, sí lo mirás con otro es ruido. La arquitectura convertida en segunda naturaleza y aprender a mirarla, de eso se trató para mí (entre otras cosas que todavía no descubro). Las series de The Basis of Make-Up son otra cosa. Para mí increible. La presentación en orden cronológico de sus cuadernos. Hojas y hojas llenas de anotaciones e imágenes; collage y dibujo, papelitos y recortes. Confirmo, o el tipo es un lunático, o es un artista. Exposición de un cerebro a cielo abierto. Muestrame tu diario íntimo y te diré quién eres.

Santiago B.

When pigs fly - Sara Driver

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Le teníamos ganas a Sara Driver, le teníamos confianza, y la peli empezó bien. Alfred Molina, el mismo campeón que se roba Coffee and Cigarettes de Jarmusch (el dorima de Sara, todo queda en familia), duerme vestido y se sueña tocando jazz, y a su lado su perro duerme y sueña que es un perro ganador, con un habano en la boca y una perrita bien peinada a su lado. Bien. Más tarde Alfred se queda dormido mientras da clase de piano y sueña que vuela en su piano junto a su alumnito sobre la ciudad, y ahí es cuando pensé: esto es igual a Travesuras de una bruja. No me digan que no la vieron: de Disney, con Julie Andrews como la bruja que se lleva a los chicos a volar en alfombra, con el glorioso insert animado de El partido del siglo. En fin, que tan errada no andaba; es una película de lo más mostrable en un pijama party, si bien puede ir bastante más allá. Sara Driver se descuelga con una de fantasmas, pero no como las de Kurosawa: una de fantasmitas buenos, que sólo asustan a la gente mala. En este caso, el fantasma es la mismísima Marianne Faithfull (¿no se escapó de otra peli, Festival Express por ejemplo?). A la larga los malos son castigados y los buenos quedan a un pasito del amor. Todo termina bien, pero a la peli se siente vieja. Tiene veinte años, sí, pero ese no es el punto. Habrá que darle otra oportunidad a Sara.

China y Japòn media vuelta y pon (y una nota al margen).

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The missing, Lee Kang-sheng

Està bien, es de Taiwan, pero si no, no me rima el tìtulo. Es interesante ver como las pelìculas orientales en general (digamos unos 3000 millones de personas, ¿me quedo corto?) o bien van hacia el ultra speed estilo John Woo o bien van hacia esa lentitud propia de los dìas de verano que no te podès mover (independiente del clima que haya en la historia de la pelì). Esta pelì dirigada por el actor predilecto de Tsai Ming Liang (El agujero, El rìo, etc) como no podìa ser de otra forma pertenece al segundo grupo. Luchè contra el sueño (eran las diez de la noche). No es una crìtica, pero luchè contra el sueño. Y la pelì me pareciò excelente tambièn (¿soy masoquista doctor?). Esta gente con los ojos asì hace otro cine y o entràs en èl (de a poco)o te quedàs en la puerta. Creo que lo que tienen de interesante es que ellos aprendieron de Hollywood y transforman; a diferencia de otra gente que màs vale solo se opone o ridiculiza (digamos Godard y otros directores que no les gusta el cine). Pero pretender que le guste a todo el mundo es una pavada y de allì la decepciòn de muchos que se acercan al cine habiendo leìdo que se iban a encontrar una nueva gran cosa. En fin. Una abuela busca a su nieto perdido en un parque, un nieto busca a su abuelo suponemos perdido por Alzeihmer y algo loco por la muerte de su esposa. Hay desconexiòn y se lee soledad, hay una gran ciudad y se dice kafkiano (leer catàlogo), no. Vayan y vean ustedes, es otra cosa; si tanto hablan que es un cine complejo porque ala final todo lo reducen a soledad y alienaciòn?. Pelìcula lenta y buena.

Barren Ilusions, Kyyoshi Kurosawa

Eslabòn perdido para comprender a este ponja. Como siempre hay fantasmas en sus pelis en esta el fantasma es de Tsai Ming Liang. Es decir màs vale cine de la disolusiòn que de gènero terror para meter miedo y adrenalina como si subieras a la montaña rusa. . Grupo de jòvenes (en general no hay viejos en sus pelìculas, los jòvenes viven solos como nacidos de repollos) que van y vienen, se tiran a dormir, graban sonidos para loopear en sus computadoras y hacer mùsica de pelìculas, tambièn trabajan. En un momento aparecen y desaparecen, literalmente, en momentos se sienten muertos, literalmente. No me voy a poner pesado pero aquì està lo màs interesante de este tipo (y otros directores japoneses que se dedican a los gèneros supuestamente populares), còmo otras preocupaciones (existenciales por ponerles un nombre chongo) iluminan el cine de gènero (y lo explican) y viceversa. En otras pelìs como Pulse hay fantasmas, en esta entèndes què es un fantasma y que cualquiera de nosotros puede serlo, ¿o es que nunca te has sentido muerto?

Dj malhumor

PD: Che otra cosa que nada que ver. Vieron que si un polìtico hace una cosa pùblica y privada que son incompatibles es un corrupto ¿por què no es lo mismo para el mundo de la cultura? Còmo podès hacer dirigir un festival y dirigir la revista que se dedica a criticarlo y aparte ganarte para ello un subsidio tambièn oficial (que no ganan otros porsupu)? ¿còmo podes ser periodista y dirigir la filmoteca de una instituciòn oficial (el teatro San Martin) por ejemplo?¿Y aparte en què tiempo?¿o es que dirigir filmotecas es una changa de fin de semana?. Estas cosillas explican los desastres que te llevan a ver bodrios insufribles (comparar por ejemplo nuestra crìtica Levelland y la del diario del festival). Igualito que los comentarios de clarìn sobre la programaciòn de su canal y productos.

lunes, abril 19

El amor, primera parte - Fadel, Mauregui, Mitre, Schnitman

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¡Por fin una película para recomendarle a mis amigas! Inteligente, cómica, tierna, emocionante, querible. Sí, una película de amor. Disculpen si esto resulta ñoño. Una de amor, muy bien hechita, y argentina.
La peli tiene un solo objetivo, claro y delimitado: retratar una historia de amor de seres de veintipico desde su nacimiento hasta su muerte. Y tiene cuatro directores, uno a cargo de cada etapa: flechazo, primeros pasos, convivencia y crisis. Estos cuatro directores se mueven como uno, aunque algunos se vuelcan más a ciertos recursos que otros. En la deliciosa primera parte, recursos de cine mudo, de películas de Chaplin: escenas sin diálogos y placas con fondo negro explicando la situación. Más adelante, se usa el falso documental, con unas imágenes sacadas de atlas del cuerpo humano, de esas que explican qué pasa en el hipotálamo al besar. Pero lo más importante no es eso, no son los guiños; lo mejor es simplemente el romance, ese romance igual a todos, bien actuado por buenos actores que lo hacen natural. Están todas esas cosas que conoce el que ha estado ahí: el hablar todo el tiempo de la otra persona pero decir "no sé si esto es amor", las despedidas eternas, las coincidencias inexplicables, el sexo prodigioso, y después las discusiones inexplicables, la irritación por los ruidos que antes resultaban maravillosos, las pequeñas cosas cotidianas vueltas elementos siniestros, el aburrimiento, la desconfianza, la paranoia. Todo está ahí, retratado con una cercanía pocas veces vista, ayudado por una musicalización más que compañera. Dicen que esta es "primera parte" porque planean hacer otra dentro de diez años, con seres de treintaypico. Ojalá.

Cine para señoras y Morrisey tenìa razón

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Demain, on demenage, Chantal Ackerman
Comedia entretenida y ligera (con 20 minutos de màs) de una directora a la que todavìa no le cacho la onda. Al lado mìo un señor de bigotes se reìa a lo loco, para mí no era para tanto. Yo creo que aparte de cierta crìtica la pelì le va a encantar al siguiente pùblico (no estoy siendo irònico): señoras de la alianza francesa, abonados del teatro colòn, solteras de màs de cincuenta, gays de màs de cincuenta que no salieron del placard, personas que consideran la feria del libro como el acontecimiento cultural del año, otros. Los personajes en general trabajan poco, escuchan mùsica clàsica y cuando quieren escuchar algo que verdaderamente los levante ponen danzas gitanas de Brahms y Rashmaninov. En otra escena bien arriba todos bailan una melodia (al piano) estilo acompañamiento de Verdaguer. El tema vital que altera a todos es el cambio de vivienda, asì comienza y termina. Poco cine y mucho teatro del estilo de mucha gente que entra y sale de una habitaciòn. En fin, a la entrada pondrìa un cartel: prohibida para menores de treinta.

The Silence of green, Andreas Horwath
Documental inquietante acerca de la matanza de animales por parte del gobierno inglès para evitar una epidemia. Pocos recursos y mucha idea. Las mismas praderas inglesas que vimos en los videos pastoriles de Travis (ya se que son escoceses!) aquì se convierten en lugar de exterminio industrial. Como decìa Morrisey en el primer disco de los Smiths, esa pradera que pisàs oculta un pestilente olor a muerte. Por momento un policial, donde el asesino psicòpata es ni màs ni menos el estado. No vemos sangre pero asistimos a imàgenes horrorosas. En todos los festivales simpre vemos un par directores sàdicos que les gusta mostrar el carneo de alguna vaca, oveja u otro. Haneke ejecutò en su ùltimo mamotreto un caballo. Cada vez me parece un recurso màs fàcil, obvio e hincha pelotas. Amigos directores no se preocupen en matar bichitos, de ello se encarga el gobierno. Meat is murder.
Dj malhumor.

Promesas cumplidas

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Zatoichi, Kitano
La verdad es que Kitano es alguièn super querible y le bancamos cosas que a otro no, sus últimas pelis venian medias desparejas. Aquì lo volvemos a encontrar en su mejor forma, pero aviso, no es una de Yakuza, ni de esas melancòlicas con niños, es una de samurais, es decir, yakuzas con espadas en lugar de revòlveres o por què no, westerns sin caballos ni indios. Pero es un poco màs tambièn. Como en muchos cuentos populares (de los cuales extrae el aùrea por asì decirlo) es una pelìcula sobre la identidad y sus trasmutaciones. Es una pelìcula feliz tambièn, aunque corra sangre a chorros. En mar del plata hace un par de años habíamos visto una pelì bastante parecida donde Kitano sólo actuaba, le tocaba poner orden en un pueblo que era un kilombo de corrupciòn, no recuerdo bien quièn la dirigìa pero se que era un ya reconocido director japonès un poco màs joven que el viejo Kurosawa. Aquì todo ocurre al costado de la ley, digamos que antes que su llegada. Las coreografìas son bellas, y con casi nada de efecto digital; sin ponerme agreta, Tarantino, aprendè del maestro.

Goodbye Dragon Inn, Tsai Ming Liang
Quienes ya lo vienen siguiendo no se van a ir defraudados, y los que recièn empiezan, se iran contentos con la pelìcula y habràn descubierto a uno de los grandes directores de nuestra època en una segunda etapa de su carrera, màs afianzada, màs serena y menos corrosiva. Igual para prevenir: ochenta y dos minutos y apenas un par de diàlogos màs vale parcos, un cine medio abandonado de locaciòn, y la proyecciòn casì en tiempo real de una pelì de espadachines chinos. Los personajes siguen igual de incomunicados que en pelìculas anteriores pero los silencios ya no lastiman tanto. Hay una tendencia a igualar silencio y soledad, asì lo escuchè en los pasillos a la salida (y se sabe que en los pasillos del festival hay màs crìticos que gente), no me parece el caso. Las ùltimas hermosas tomas nos revelan cuanto le debe Tsai Ming Liang al cine clàsico de hollywood, cine alejado del existencialismo si lo hay. Aparte la hermosa canciòn del final nos lo dice todo (una canciòn de esas que se escuchan todo el tiempo en In the mood for love ), hay recuerdos que me tocan el corazòn, algunos son tristes, otros son alegres. O algo asì. Como en casì todas sus pelìculas hay mucha lluvia y goteras, pero a pesar de la tristeza, ni siquiera ellas son tan hirientes.

Santiago B.

Rebelde way

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Levelland, Calk Walker
Pelìcula pequeña acerca de skaters filmada de forma excelente con linda banda de sonido (incluyendo where is my mind de pixies)y guiòn de Chris Morena. Intragable, inverosimil, molesta. Incluye extensa explicaciòn acerca del sentido de la vida con diagrama y todo en el pizarròn del colegio. Si no hubieran parado de andar en skate hubiera estado genial, pero se bajaban y lo primero que decìan era, estoy jodido, no se lo que quiero, odio este pueblo. Todo muchas veces como para que no te olvides. Uno podrìa pensar que es cine realista sobre gente pelotuda pero en ese caso tendrìamos que decir lo mismo de Chiquititas, Rebelde Way y toda esa porquerìa. No es mala idea che, tendrìa que demostrarlo, tal vez me gane una beca. Me olvidaba, toda la pelìcula sin una pizca de humor y todo con voz seria. Al hermano del protagonista lo internan en un psiquiàtrico (muy parecido al Mater Dei) por faltar tres dìas al colegio. Al final nos enteramos que se cura cantando canciones (sin usar todas esas drogas como dice la enfermera). Nadie se droga y el sexo es algo raro. Los pibes de chris al lado de estos son unos reventados.

Dj Malhumor.

domingo, abril 18

Dos al precio de uno es a veces mal negocio.

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Las siguientes dos pelis se proyectan en un solo programa

The sea and the cake, Edgar Honetschlager
Deslindamos toda responsabilidad por este film al grupo de rock americano homónimo. Film low fi que de tan low fi parece amateur y que de tan amateur queres que te devuelvan la plata porque para eso te vas a ver las últimas vacaciones de tu hermana que aparte te invita mate y bizcochitos.
Hay varias formas de convertirse en maestro de cine, una haciendo buenas películas, otra consiguiendo guita para hacer cosas como esta (o que te paguen el pasaje a un festival). Si vivís de esto Edgar, sos un maestro. No se puede comentar mucho de un film tan mal hecho. Solo algunas lecturas en off interesantes acerca de la historia de Sicilia y su lugar de encuentro con la cultura musulmana en tiempos más tolerantes. De cine cero. Un chaval que parece sacado del bar los billares caminando por Palermo suponía ser Goethe. Verdadero cine bizarro. Película políticamente correcta anti imperio. Con pelis así, Bush no se va más de Irak.

In the Beginning was the eye, Bady Mink
Pobre mina. La pusieron junto con la rascada anterior cuando el suyo es un super trabajo. Film experimental que juega con la idea de la construcción de un paisaje a través de postales. Retrabaja cientos de postales kitsch con técnicas de animación sofisticadas, inteligentes e inspiradas. El film transcurre apacible y nos sorprendemos por lo que vemos. Como las palabras, la imagen y la música juegan al mismo nivel, nos reconfortamos al descubrir a b Fleischman en la banda de sonido (aunque el concepto de banda de sonido, como se desprende de lo anterior, está trastocado). Para colmo en el programa pusieron que era un film digital y que ella era un hombre!!! Y si faltaba algo el traductor en la presentación traducía la mitad, la piba siempre con buena onda le repetía, deciles esto también!!! Que no confíen en los papeles.

Dj malhumor

Save the green planet - Jeong Jun- hwan

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cómo es que esta peli llegó a la competencia oficial me pregunto,
que está pasando en las altas esferas festivaleras que esta vista
(cómo diría luis pedro toni) no ocupa el lugar trasnochado reservado
a la desenfrenada bizarreada oriental sino que se codea (y le toca
el orto y se mira mal) con los desechos que mandan directo a la gran
papelera de reciclaje que suele ser la competencia oficial
diversión garantizada, "uuuhhhs" y "wowwws" asegurados, cataratas de
sangre, citas citables y escenas memorables para contarles a los
amigos no cinófilos y hacerles sentir que se están perdiendo algo
peli larga, menos mal que me dormí media hora, pero me desperté justo
para ver como decenas de avejas hambrientas se zambullían sobre la
cara azucarada de un detective que había averiguado demasiado,
después vino la batalla final bien condimentada con especias de
todo tipo (el hombre con el cordón umbilical ligado al monolito de
2001 es para la antología de las mejores imágenes de este bafici)
3am

Antes que o tempo mude - Luis Fonseca

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yo me creo muy piola pero no aprendo mas, cómo me hicieron caer los que escriben el catálogo! me hicieron romper mi promesa de no arriesgarme a lo nuevo y no perder tiempo y así me fué
cómo se deben estar cagando de risa "juajuajua, mirá cuántos se tragaron este verso y pagaron para ver esta garcha jurujujaja" (tienen esa risa seguro)
me fuí antes del final obviamente, y no hice justicia, quise pegar un portazo que se escuchara hasta en el patio de comidas pero no me salió
había estado casi una hora pasándola mal, preguntándome "cuando se pone buena?" primero y "cuándo termina esta escena?" después, todas las escenas tenían cinco minutos de mas, ya habíamos entendido que pasaba y ellos seguían en lo suyo, mirándose, bailando, tirados en la playa (algo a favor, hay gente en bolas, menos mal porque lo que venia viendo era todo con gente muy vestidita, recién en mi quinta película veo un polvo, lástima todo lo demás)
mi chica que es más culta que yo se quedó hasta el final, me dice que me perdí una escena de la protagonista hablando con la madre durante 15 minutos...
Alberto Migraña

Eramos tan pops

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Live for ever, John Dower.
Qué queres que te diga? Sí lees este sitio y te la perdés es porque andás dormido. Esta peli es un poco la autobiografía de unos cuantos. Tengo todos esos discos!! No soy de la clase que esconde su pasado y aparte, me siguen gustando. Creo que este docu no es sólo super entretenido, gracioso y cool sino que ademas está muy bien hecho y muestra bastante más de lo que parece. Por lo pronto es dificil hacer historia reciente y más en una escena superpoblada como la inglesa. Asi que el director se concentra en la gran batalla Blur/Oasis y como otras voces, que no solo completan sino que abren líneas de fugas, aparece nuestro amigo Jarvey Cocker de Pulp o 3d de Massive Attack o ese bomboncito qiue es la cantante de Sleeper. La sombra de Radiohead también se sugiere como entre sombras o algo por aparecer. Lo de los Gallagher es simplemente genial, es un gag atrás de otro, pero lo del tipo que lo sentó a Noel en un salon victoriano a hablar sobre el renacimiento del imperio también. Sin contar el affaire del brit pop con Tony Blair. Hay inteligencia en el planteo y en lo que sugiere, también en las imágenes. Otra joyita es la aparición de Wonderwall, grupo homenaje a ya saben quien. Film ultra dinámico que deja sin que lo sepamos bastante para pensar; la vitalidad, importancia y lugar de la cultura pop en U.K. es una, que nosotros lo disfrutemos a sala llena en un festival de cine independiente en el culo del mundo es otra. God save the queen!

Eadweard MuyBridge, Zoopraxographer by Thom Andersen
Primer trabajo del director de la supercomentada Los Angeles plays itself. Es un trabajo erudito de tesis así que no se te ocurra acercarte al cine medio dormido. El Sr. del título fue el antecedente de Edison y los hermanos Lumiere en la cración del cinematógrafo, como aprendemos en el film, no por continuidad tecnológica (el cine nació a través de otra tecnología) sino por la resolución de un problema filosófico, como captar con medios finitos (una sucesión de fotos en este caso) algo infinito por definición como el movimiento y por extensión el tiempo. El asunto es que el tipo sacó miles y miles de fotos sucesicas de animales y personas en movimiento. El resultado es fantástico. Hay en el trabajo de este científico algo loco (mató al amante de su joven esposa de un tiro) una manera de ver las imágenes que de algún modo reaparece en el reciente trabajo de Andersen (Los Angeles...). La imagén de un movimiento abstracto, el cuerpo por el cuerpo mismo (las imágenes que fotografió recuerdan los estudios sobre el cuerpo humano del renacimiento y no por nada en el film se cita a Leonardo). Piensen en Matrix, piensen en las coreografías de mucho cine de acción (a veces el más berreta). Paradójicamente es un cine despreciado por la crítica seria que es en definitiva como simpre conservadora y victoriana; el placer del cuerpo sólo se permite por un gran director o idealizado o ideologizado. Un film extraño como el personaje que retrata. Se puede pensar mirando.

Santiago B.

De Corea con amor.

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Memories of murder, Bong joon-Ho
Es hora de que empieces a respetar màs a los coreanos de tu supermercado amigo porque estos pibes la tienen re-clara. Memories of murdes es algo asì como: El Bonaerense+La Promesa (quiza un poco màs el libro homònimo de Durrenmat a la peli de Sean Penn con Jack Nicholson)+Hsiao Hsie Hsien (esas escenas totalmente desordenadas generalmente de plano fijo llena de gente que entra y sale)+Fargo de los Cohen y porque no tambièn un poco de alguna pelìcula de gènero parejas desparejas (en general policias, sea negro y blanco, macho y gay, pueblerino y ciudad como en este caso). Es una pelìcula excelente peli de gènero policial basado en caso real lo que ya està bueno en medio de tanta cosa incierta y aparte es mucho màs. Una pelìcula de rostros. Que caritas!!! El director juega con ello de manera fantàstica, sin perder jamàs el humor ni la seriedad. La fotografìa tambièn merece mencionarse. Lo que amerita quizà màs pensamiento es la manera con que el director nos plantea las diferentes maneras de contar una historia, de construirla a posteriori y añadido por supuesto distintas concepciones del cine, todas, en igual plano de igualdad ya que como el crimen, es un tema que no termina de resolverse. Hay un cine que con dos coincidencias encuentra un culpable (como los neuròticos que le bastan dos fracasos amorosos para sentenciarse un perdedor), hay otro que quiza apuesta siempre a que dos coincidencias son siempre eso, mero azar. Cuestiòn no resuelta.

Save the green Planet, Jeong Jun- hwan
En competencia quièn sabe por què capricho. Unos juegan con la indeterminaciòn de la trama, en este caso la indeterminaciòn de la trama es la indeterminaciòn del gènero, ciencia ficciòn o thriller, ambos con iguales dosis de sadismo, humor y delirio. Dirìamos cine bizarro pero no me gusta, igual te da una idea no?. Quizà un poco alargada por momentos està llena de ideas, cine experimental y gags desopilantes. Por momentos cine de diseño, por momentos el laboratorio (hay un laboratorio) parece de esas pelìculas locas y divertidas de disney estilo Querida encogi a los niños. Muy divertida, aumenta de decibeles al final y se pone algo melancòlica al mismo tiempo. Perfecta para la trasnoche.

Dj Malhumor.

Le monde vivant - Eugene Green

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Un cuentito medieval filmado hoy. Eso es todo. Hay quien la odia; yo la amé livianamente, y por eso la posteo. Soy yo o nadie; que otros se ocupen de Save the green planet, si les gusta ver torturas psicóticas y alienígenas descuartizados. Acá sólo hay princesas y caballeros, un ogro al que nunca se ve y un león representado por un perro, cielos azules, praderas verdes y una fortaleza de piedra. Un encanto. Todo tiene el aire de un juego de niños -de hecho, los actores son casi niños, aunque bien podrían haber sido guerreros en la Edad Media: el concepto de infancia cambia tanto- o de representación. Los caballeros visten zapatillas, el ogro porta obvio disfraz, y la trama es tan transparente y conocida como el arroz con leche. No hay música, y la historia se cuenta de manera lineal, con pequeños guiños intertextuales. Una delicia. Para quien guste de los cuentos medievales, claro.

Levelland - Clark Walker

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Bueno, esta peli tiene una banda de sonido más que interesante. ¿Qué menos que eso? Es una película de skaters. ¿Qué más querían? ¡Es una película de skaters!
Entonces, un grupo de chicos que se autodenominan teenagers aunque en realidad ya están o deberían estar saliendo de ahí, un pueblito perdido en medio de la nada, mucho hastío de vivir, mucho vamos a hacer skate y no nos importa nada, muchos rebeldes sin causa, y algún atisbo de romance por ahí. La película empieza muy bien, promete pero no concreta. Como representantes un poquito atrasados de la archiconocida generación X, estos pibes no quieren nada de la sociedad, pero tampoco quieren otra cosa. Bueno, sí: quieren su propia rampa. Y eso es más o menos todo. No hay límites en el pueblo: uno todo el tiempo está esperando que se peguen un palo espantoso, que los agarre la cana por robar madera o por exceso de velocidad, que los padres los pesquen revolcándose con quien no deben. Pero no, no pasa nada de eso, aunque de todo pasa un poquito. Si toda la rebelión de la peli pasa por decirle a un cincuentón que el skate lleva a un lugar donde él nunca podrá ir, bueno, mejor dejémoslo ahí. Prefiero pensar que el discurso no es nada, que es un pequeño retrato de un verano de pueblo y una excelente excusa para hacer sonar a The Minutemen, The Replacementes, algo de The Clash, algo de Ramones, algún Pixies y alguna otra cosita de cuyo nombre no puedo acordarme, pero que quedaba bastante bien con el ruido de las rueditas sobre la madera.

Live forever

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bueno bueno, cómo me gusta el aire festivalero
estoy hasta las bolas de laburo pero no me iba a perder esta joda por nada del mundo
como en este bafici no voy poder establecer ninguna marca para la historia (nada de "me vi 8 en un día" y nada de "me levanté y me fui de 3 y me dormí en 5") voy a apostar a lo seguro, las de música y las de famosos, dejemos que los que saben descubran a esos directores de nombres impronunciables (¿quién?) que después va a haber tiempo para pedir los div x prestados
vamos a los bifes, Live forever es un documental como los de la tele y lo mejor que tiene es a los Gallagher jetoneando y justificando todo, después está Damon Albarn pero lo hacen quedar como el campeón mundial de los nabos.
hay fragmentos de videos, canciones que suenan fuerte, una versión en vivo de "common people" de Pulp subtitulada con una pelotita roja que va de estrofa en estrofa
Jarvis Cocker es el que queda mejor parado y se nota lejos que es el que tiene los mejores temas, volvé Jarvis que esto está lleno de giles
bue, se me hizo tarde y ya empieza la de Johann Cruijff
hasta lueguito

sábado, abril 17

Nuestro querido amigo Martin

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Feel like going home, Martin Scorsese
A esta altura todo el mundo está enterado del proyecto de Scorsese acerca del blues para lo cual convocó a varios directores pesos pesados. Ya comentamos lo imperdible del capítulo de Wenders, The soul of a man que vimos en mardel, este es el turno del capítulo de Scorsese mismo. Lo voy a tener que decir, perdonenmen, pero este es imperdible también y diría incluso, obligatorio para cualquiera ya no melómano sino que le guste la música en general. A diferencia de otros documentales (ver el de Almereyda) aquí el género toma vuelo y se transforma en parte del cine que nos fascina, lleno de ideas formales ágiles y sorprendentes y muy, muy fáciles de ver. Aparte fue escuchar la voz de Scorsese y pensar, te extrañaba amigo. Aquellos que vieron sus documentales sobre la historia del cine en film & arts o su Mi viaje en Italia en otro festival hace un par de años, sabran de lo que les hablo. El pibe sabe inyectar pasión a todo lo que hace, y sí el lo dice te convence de todo. Amor al cine en aquellos documentales, amor a la música en este, aparte de la firme convicción de que la cultura popular (americana/africana en este caso) es cultura sin más, al diablo con el arte erudito y el arte de masa, hay arte, bueno o malo, honesto o espurio. Algo de eso se puede ver también en la recomendadísima Los Angeles plays itself (que ya comentamos ver más adelante el que tenga ganas). El cine no se divide en comercial y artístico, sino en más o menos inteligente y si hay ideología (en el sentido de encubrir) en el cine de acción recalcitrante tambien la hay en Cassavettes o Polansky. En este sentido Scorsese y Thom Andersen (el director de Los Angeles...) son los anti Godard (ver sus historias del cine), el maestro del cine elitista y alguien que en su corazón, no se sabe por qué, tienen muy mala consciencia acerca de su profesión. Pero resumamos esta feel like going home; para disfrutar al cien por cien y salir a buscar discos desesperadamente.

Trois vies et une seule mort, Raoul Ruiz
La verdad es que no me he animado a ver las pelís viejas de Ruiz que están pasando en su ciclo dentro del festival (algún valiente podría contar), pero la de los noventa son realmente buenas. Esta es una de ellas. Desde el inicio tenía algo irresistible que invitaba a verla, el gran Marcello Mastroiani en uno de sus últimos papeles, a quien como el título de la pelí, una vida sola no le alcanza. Especie de Amelie downtempo la pelí comienza a contar una historia detrás de la otra aparentemente independientes para descubrir después que no lo estan tanto. Las historias son muy entretenidas y graciosas pero además con un humor inteligente y por sobre todo sabio. La película podría ser una introducción a la vida filosófica, pero no a la filosofía de la universidad, sino a la filosofía sin más, en fin, como vivir una vida feliz incluso ante la existencia de la muerte. Marcelo nos enseña, amar y ser amado puede ser el peor de los infiernos, o la caridad es la peor de las tiranías. Cada cual tomará la que le convenga. Cada historia es contada por un relator radial lo cual la acerca al cuento y por extensión a la literatura, de hecho (no es raro en alguién que adaptó a Proust) los nombres de George Perec y sus Vida, intrucciones de uso o Calvino y Sí una noche de invierno un viajero, vienen casi naturalmente a la cabeza. Una película inteligente y sabia (por lo tanto graciosa) que se puede emparentar a los momentos felices de Rohmer (aunque esta película es en general mucho más gentil que la mayoría de Rohmer) y a otro viejo zorro que vimos en el festival hace un par de años atrás, Iotar Ioselani. Sí, si, la recomiendo.

Santiago B.


Mister V, Emile Deleuze
La sala estaba repleta de psicoanalistas y otros intelectuales atraidos por el apellido de la hija del gran filosofo lo que demuestra que fanáticos no son solamente los de Star Trek (comentario más bien de sociología al paso). La verdad que está buena la peli. Yo había visto la otra que hizo esta chica y también me había gustado mucho, esta incluso es más fácil y placentera, aparte de que es fácil de resumir, película en el mundo equino. Mister V es un caballo con mucha personalidad y alrededor de él van a girar las neurosis varias de los protagonistas. Algún mal intensionado dirá que en realidad el centro es la yegua esposa del dueño del caballo (la por otra parte cara de caballo protagonista de Beau Travaille de Claire Denis). Pero bueno. La cosa es que la pelí es llevadera, bella, inteligente a veces y entretenida. En algún momento ese caballo brioso y mal encarado puede llegar a ser más inquietante que los fantasmas de Kurosawa y en otros nos preguntamos por qué será que los franceses son tan retorcidos, histéricos y lacanianos en todo lo que hacen. Como para confirmar esta percepción, la directora que prometio aparecer después de la proyección se las tomó y nos dejó esperando, yo que me quedaba para que no se sintiera mal porque se iba todo el mundo; ¡tenía que ser una mina histérica y mal psicoanalizada!

Dj Malhumor.


Abel Ferrara: Not Guilty, Rafi Pitts.
Otra buena muestra que el documental puede ser una pelí hecha y derecha y por supuesto, según el caso, una mucho mejor opción frente a tanto moplo. Si bien yo no diría que es una pelí para fanáticos aquellos que no hayan visto nada de Ferrara (¿existe alguno?) se preguntaran quién es este gordo patotero bastante parecido a Maradona en sus últimas apariciones. En una especie de recreación de Bad Leutenant el director sigue a Ferrara por la noche de New York. Por ciertas cosas que se ven uno estaría tentado a rebautizar el film como antes del fin o algo parecido. Es que el muchacho es un sacado y lo miramos y miramos preguntándonos como pudo. Eso es muy interesante porque a pesar que no hay observaciones brillantes acerca del cine (o nada en general) nos sentimos en presencia de alguién con una poderosa visión. Poco nos explica de sus películas (aunque lo vemos repasando escenas de Mel Rose Hotel) pero sentimos que podemos entender y valorizar incluso aquellas que en su momento consideramos fallidas (en mi caso personal aquella de Keitel con Madonna). Es verdad que aparecen pistas, se nombra a Cassavettes y nos decimos, claro, es un Casavettes de los burdeles, lo vemos contando una anécdota de filmación y pensamos, claro es de lo que en vez de pensar qué es el cine, sólo se preocupa en como filmar una escena de la mejor manera posible (entonces es un clásico). En este deambular asistimos a varias mesas de bar y a charlas que parecen extraidas de Perros de la Calle. . Asistimos a muchas puteadas también y nos preguntamos, ¿quién pondrá la guita para su próxima película? Imperdible para muchos.

Santiago B.

This So-Called Disaster - Michael Almereyda

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Si bien sabía a lo que me estaba arriesgando, no esperaba tener que padecer parte de esta película. Con un registro 100% documental, dividido en entrevistas, registro de ensayos y algunas imágenes de archivo, la cámara de video de Almereyda sigue las dos semanas previas al estreno de una obra de Sam Shepard, basada en la relación que tenía con su padre. Lo que parecía más interesante era ver cómo trabaja uno de los verdaderos genios contemporáneos de las letras norteamericanas, su relación con los actores, sus miedos, sus seguridades y los puntos de partida de sus obras. Y por desgracia, si bien hay un poco de cada cosa, todo esto parece diluirse por el afán de concentrarse en reflejar más que nada un cuidado diario de eventos, pero sin involucrarse más allá de una cierta sensación de fisgoneo. Si bien vemos a un Shepard meticuloso, con un infinito tacto y una inmensa obsesión por razonar con los actores cada uno de los motores de las acciones, las reacciones y los sentimientos de cada personaje, a medida que va avanzando el tiempo este “videodiario entre bambalinas” empieza a pesar en el espectador, volviéndose una cosa pantanosa y un poco repetitiva.
No deja de tener valor documental: es una excelente oportunidad para presenciar la forma de trabajo de un puñado de profesionales de la actuación (Nick Nolte, Sean Penn), tan comprometidos como apasionados. Y sí, sirve para acercarse un poco a Shepard, tipo tan sencillo como talentoso.

Bright Future - Kiyoshi Kurosawa

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Permítanme ir un poco en contra de la corriente, o al menos en contra del comentario de la Colorada. Esta película es bastante poco entretenida. Bastante odiosa y, sobre todo, bastante odiable. Sus personajes parecen sacados de un melodramón de la tarde, pero como hablan otro idioma se les permiten las rabietas de quinceañera histérica, los sentimentalismos baratos y las frases cursis disparadas con una asombrosa facilidad. El guión parece haberse escrito en la marcha, algo que no estaría mal si la película no fuera esta.
Y no quiero siquiera hablar de la calidad de la imagen en determinados momentos. Ni de los actores. Ni de la música.
Y por favor, no me dejen hablar de los idiotas con remeras del Che y las cajas que patean, por que se pudre todo. Si sigue así a Kurosawa más que un futuro bright le espera uno muy dark…

Seance - Kiyoshi Kurosawa

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Si de terror hablamos, esta es una verdadera falta de respeto al género. Con una historia tan poco sostenible como mal llevada adelante, unas actuaciones tan blandengues como poco interesantes y una fantasmita con menos onda que Gasparín en su versión computarizada, lo de terror es más por la calidad que por el género. Si bien hay un par de escenas interesantes, mueren ahí, dejando al espectador con unas terribles ganas de avanzar en un relato que parece no tener mucha intención de hacerlo, dando vueltas y vueltas, sosteniendo lo insostenible. Una lástima que esta peli manche la sección de Kurosawa. Ojalá sirva para desenmascarar a un poco director bastante poco parejo.

Grimm - Alex van Warmerdam

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Dos hermanitos se pierden en el campo, cayendo en manos de una pareja con marcadas intenciones sexuales para con los no tan inocentes jóvenes. Una especie de Hansel y Gretel con muy poca onda. Si bien tiene ciertas intenciones humorísticas, terminan siendo tan tímidas que resultan poco efectivas y poco coherentes con el resto de la peli. No es malísima, pero tampoco es como para gastar cinco pesos en ella.

The Soul of a Man - Wim Wenders

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Un leeento homenaje de Wenders a sus ídolos del blues, con la colaboración de viejos amigos (Lou Reed, Nick Cave). Con el uso de falso material viejo, reconstruyendo la vida de un blusero ficticio, sigue las trayectorias de Skip James, Blind Willie Johnson, y J. B. Lenoir. El docu está bastante bien pero sus tiempos se vuelven un poco lentos y parece no avanzar demasiado. Las relecturas de los temas más legendarios de aquellos tres intérpretes, de la mano de varios artistas actuales, hablan de una revitalización constante en el género, pasando por tantos estados anímicos como la palabra "blues" encierra. Vale la pena verla, pero tal vez la suma de todos los filmes pertenecientes a la colección The Blues se vuelva un poco… intensa.

Elephant - Gus Van Sant

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Después de perder el tiempo persiguiendo a Salinger o a Pynchon, vuelve un Van Sant menos vendido, menos arty y pretencioso que en Gerry y bien alejado de esa increíble autoparodia que llevó adelante de la mano del genial Kevin Smith en Jay & Silent Bob Strike Back, donde en vez de prestar atención a lo que pasaba en Good WIll Hunting 2: Hunting Season, se concentraba en contar billetes.
Elephant es el punto de intersección exacto entre Larry Clark (Kids) y Richard Linklater (Slacker). Van Sant muestra una juventud estúpida, vacía y violenta, mientras sigue a los personajes con unos largos y muy cuidados steady cams, verdaderos desafíos para su director de fotografía. El uso de saltos en el tiempo de la narración, la reconstrucción de determinadas situaciones desde dos o tres puntos de vista diferentes y la cuidadísima labor de la banda sonora (envidiable por su extrema y efectiva sutileza), hablan de una intención de volver a las raíces y dejar un poco de lado los elencos estelares y los guiones de amigotes. Esperemos que sea el nuevo camino a seguir de Gus: el resultado es más que satisfactorio. Al menos no desilusiona, como se estaba volviendo costumbre en su filmografía. Uno no tiene que hacer fuerza para darle al menos un tímido visto bueno.
En pocas palabras, por su ritmo -aunque la palabra “cadencia” parece más ajustada- vale la pena seguir este tour de force a lo más profundo de la idiotez juvenil.

The Station Agent - Thomas McCarthy

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Una excelente elección, sin lugar a duda. Esta película chiquita (sin chistes tontos) puede llegar a ser una de las mejores del Fest. Resumen de las principales características de todo film indie yanqui que se precie de serlo (actores casi desconocidos, minimalismo desde la cámara y sus puestas, ajustado y muy apropiado despliegue visual, estructura clásica en su guión, etc.), The Station Agent es tan encantadora como tristonga. Sus personajes son de esos que hacen que uno se sienta en casa y bien acompañado. Si bien puede ser predecible en cierto punto, tener algunos momentos melodramáticos y otros muy malhumorados, la peli cumple su único objetivo: hablar de la necesidad de hablar que tenemos, de relacionarnos, de conocer al de al lado, por más que sea un charlatán insoportable o un desastre al volante. O un pequeño ermitaño. No te la pierdas. De última ya sabés dónde te la recomendaron.

viernes, abril 16

¿En què estaba pensando?

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Me doy cuenta que esto del blog es un poco memento viste, vas del presente al pasado y volvès al presente y asì.

Koktebel,Khlebnikov y Popogrebsky
Miraba el papelito y me decìa, ¿por què saquè està entrada? Habìa visto dos, me esperaban otras dos, què necesidà? Aparte desde el vamos con 50 % de chance de perder. Sì perdì. Se cumplieron todos mis malos presentimientos (¿para què coño sirve un presentimiento despuès de todo?). Pelicula edificante de padre ex borracho y niño solitario que van de Moscù a Crimea (muchos kilòmetros). Ok, no tienen golpes bajos pero hasta la toma de un calzonsillo es bella, todo con la luz y los colores de la pintura de algùn siglo que no puedo identificar. No, definitivamente no es el cine que nos gusta, què o bien nos entretiene o bien inventa algo nuevo, lo demàs que lo vean mis padres, tìas y la gente que vota al oscar para la mejor pelìcula extranjera. Aparte ruso, te digo (me levantè medio agresivo), si dos personajes se pasan diez minutos bajo un temporal cuando entran, viste, estàn empapados. Te lo digo para la pròxima. Y programadores, esta iba para Mar del Plata, que no se repita eh!


Pulse y Seance, Kurosawa por dos
Bastante dìficil escribir sobre este pibe. Reconozco que se hace querer, que es esmerado, sensible y talentoso. Me lo imagino como esos muchachitos solitarios y temerosos del manga al estilo Evangelion o incluso de sus mismas pelìculas. Pero...En algùn punto sus pelìs a la par que brillantes decepcionan, dicho ràpido, no meten miedo como mete Ringu y para peor los intelectuales de esos que no nos gustan se las estàn apropiando. Por suerte no se lo tragan del todo y dicen que es un director desconcertante, lo que debe leerse: che pero hace pelìculas de terror, eso no es demasiado popular?. Son pelìculas excelentes pero que no tratan del miedo sino que tratan de la soledad (Pulse) y de la culpa (Seance), y se sabe que el gènero hace al espectador. Entonces es un tironeo;uno lo quieren traer para el lado de, digamos, Tsai Ming Liang, otros lo quisieramos màs del lado de Ringu. No se, estarìa bueno saber que opina el espectador medio de pelis de terror. Estarìa bueno. Escriban che! Me voy a dormir que es tarde.

Dj malhumor

Control room - Jehane Noujaim

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Control room, que figura como película yanqui, es un documental sobre Al Jazeera, pero también sobre la situación de la prensa durante la guerra pasada, en general. Las cámaras se sitúan casi desde el principio en el CentCom, el comando central de Estados Unidos en Medio Oriente, ubicado en Quatar, donde los relacionistas públicos del ejército de Bush conviven con los enviados de todas las principales cadenas de noticias internacionales. Si bien no hay ninguna revelación realmente escandalosa en la peli -por lo menos para nosotros, gente de un país periférico pero informado, que siempre desconfía del poder por una cuestión de instinto- resulta bastante impactante ver el seguimiento de la guerra momento a momento. El documental está construido sobre material de archivo y entrevistas a periodistas y funcionarios militares estadounidenses, y es fuerte ver sus impresiones día a día: sus evaluaciones de la situación, sus previsiones acerca de lo que puede pasar. La película tiene una suerte de hilo narrativo, y aunque todos sepamos cómo termina, de todas formas resulta atrapante. Por supuesto, el objetivo principal es demostrar hasta qué punto el ejército estadounidense intenta constantemente manipular la información; vamos a decir que ese objetivo se demuestra largamente. Y también se demuestra que la objetividad es un concepto cada vez más resbaloso. Ah, maravilloso cuando el capo di tutti capii de Al Jazeera dice sin ningún empacho que si le ofrecieran ir a trabajar a Fox aceptaría.

La quimera de los héroes - Daniel Rosenfeld

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Vamos todavía con los documentales argentinos. Un documental argentino como una fábula oriental, casi como un haiku. Cómo se hace un haiku en Formosa, teniendo como materiales el rugby, un grupo de pibes tobas, un entrenador filofascista y un montón de armas y milicos es algo que bien podría preguntársele al amigo Rosenfeld. Un anécdota mínima que se expande para todos lados: un ex rugbier, grandote, cabezón, hipercristiano y facho él como corresponde, toma como su misión en esta tierra constituir un equipo de rugby aborigen. En el medio, les dice que no chupen, que se respeten ("eso implica que pueden pasar por arriba del otro, rugbísticamente hablando"), que su único ascenso social posible es ganarles a los Pumitas y ya que estamos les predica tradición, familia y propiedad. En serio. En sus términos, claro.
La secuencia final trata a un partido de rugby con un spleen digno de la más melancólica toma europea. Cosa seria.

Coffee and Cigarettes - Jim Jarmusch

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Los números puestos, esas películas que todo el mundo desespera por ver, no suelen ser lo mejor de los festivales. Esta peli parece ser la excepción a la regla: es profunda y absolutamente divertida. Por supuesto, sí es un poco snob, ya que basa la mitad de su eficacia en la suposición de que el público conoce -y reconoce- a los actores. Los actores, que despliegan algo así como sketchs, son ideales para animar cualquier fiesta: Iggy Pop versus Tom Waits, Alfred Molina versus Steve Coogan (absolutamente hilarante), Cate Blanchett versus ella misma, y apariciones estelares de Steve Buscemi, Bill Murray y unos cuantos de los que me debo estar olvidando. Todos reuniditos con la excusa del café y los cigarrillos. Altamente recomendable.

Triple Agent - Eric Rohmer

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Una historia lineal, bien contada, con el argumento por encima de cualquier preciosismo estético. ¡Gracias! Rohmer se mete con una de espías, y por supuesto no lo hace mal. Tampoco lo hace deslumbrantemente. 1936, París, un espía ruso antisoviético (¿antisoviético?) y su mujer griega, que quiere y no quiere saber más de los negocios del marido. Y sus vecinos comunistas, y los periódicos, y las noticias, y las huelgas y todo el paranoico clima de la época. Seguramente Rohmer habrá vivido esa época. Impecable. Y, por otro lado y quizás por eso, poco festivalera.

Good bye Dragon Inn - Tsai Ming-liang

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Dicen los que saben que esta es una película muy idiosincrática de Tsai Ming-liang, esto es, muy su estilo. Yo debo decir que hasta ahora había esquivado El río, Qué hora es allá y todo lo que se vio previamente del director, así que fue mi primera vez. Y no está mal. Para ser una película de 82 minutos con dos diálogos (cortos), no está nada mal. Good bye Dragon Inn comienza entrando al cine del mismo nombre, transcurre dentro de él y termina saliendo otra vez al exterior. Transcurre en sus pasillos, en su taquilla, en su cabina de proyección, en sus baños y en su pantalla, pero sobre todo transcurre en su platea. Se dice que es un homenaje al cine, y yo arriesgaría más: es un homenaje a los espectadores, a quienes habitan el cine, a su forma de interactuar con los otros habitantes solitarios y con las películas. Más de una vez la pantalla parece continuarse en la platea real, como una suerte de homenaje al espectador real, o sea uno mismito. Párrafo aparte para los chicos que salieron quién sabe de dónde en el momento más indicado y se pusieron a dar vueltas por el escenario del América, tapando por instantes un pedacito de pantalla, haciendo ruidos casi imperceptibles, viviendo el cine igualito que los personajes. Sin esos chicos, creo que la peli no sería la misma.

Kitchen stories - Bent Hamer

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¡Por fin una peli definitivamente buena! Una que no es y bueno, no sé, muy moderna, muy experimental, podés amarla u odiarla. No: quien tenga un poquito de corazón y sentido del humor va a amarla. Cine noruego, puesto a mostrar las sutiles diferencias que separan a los noruegos de los suecos, algo dificilísimo de concebir para nosotros: ¿será una relación tipo Argentina - Chile? ¿O Argentina - Brasil? ¿O Estados Unidos - México? Al parecer, el punto es que unos manejan por la izquierda y otros por la derecha, que no comen lo mismo en Navidad, y que unos aportan científicos al concierto de las naciones mientras que los otros ponen los objetos de estudio. En este caso, los objetos del hilarante estudio son los hombres solteros y su conducta en la cocina. Un conjunto de hombrecitos prolijitos, parecidos a Natalio Ruiz con sus trajes y sus sombreritos grises, pero además con autitos y trailercitos todos iguales y haciendo juego con el paisaje, suecos ellos, llegan a un remoto y nevado pueblito de Noruega. Su misión allí es sentarse en un rincón de las cocinas de sus anfitriones en unas sillas altas, símil árbitros de tenis, y observarlo todo desde ahí arriba. Por supuesto, el observador no debe interactuar con el observado.
La película es tierna, cómica, y está muy bonitamente filmada; no faltan los planos donde el traje del protagonista hace juego con el auto, el trailer y el bosque de fondo. Se recomienda muy especialmente a los estudiantes de Metodología de cualquier disciplina. Y a los que quieran conocer la diferencia entre suecos y noruegos.